Un saggio sulla profondità da Pam Coulter Blehert

“Ma come ha fatto l’artista?” viene da esclamare, osservando un vasto panorama di un paesaggio o la modellazione che dà profondità al viso del ritratto o la natura morta dipinta in due dimensioni.

C’è qualcosa di magico che sembra separare gli artisti da quelli che non si reputano tali. Naturalmente il pittore ha imparato a usare molti strumenti, sia fisici come i pennelli, i pigmenti e molto altri, sia mentali, come ad esempio la conoscenza di alcune delle regole e convenzioni per trasmettere l’illusione di profondità.

Che tu sia un artista o un illustratore, la comprensione di come questa illusione possa essere creata può aiutarti a capire cio che si vede in un dipinto e come è possibile ottenere risultati simili.

La maggior parte delle persone ha perlomeno una minima familiarità con il concetto di “prospettiva lineare”, anche se di solito non ricordano o non hanno idea di come funziona. La prospettiva consiste nell’uso di determinati dispositivi geometrici per creare l’illusione della profondità sul piano di una immagine piatta. Ad esempio, due linee che si avvicinino tra loro (i due lati di una strada) possono essere usate per indicare due linee parallele, che si allontanano verso l’orizzonte abbandonando lo spettatore.

Una semplice prospettiva ad un punto parte dal concetto che esista una linea di orizzonte e che il “punto di fuga” su cui far convergere le linee parallele che vanno verso questa linea si trovi su di essa, a volte proprio di fronte allo spettatore, un po come in certi film americani con quelle autostrade nel deserto piatto e assolato che vanno verso ‘orizzonte.

Si può giocare con quel punto di vista assumendo che lo spettatore sia sopra l’orizzonte (vista di un gigante) o sotto di esso (vista della formica). Prospettiva di due punti ci guida nel rendering di oggetti che hanno due lati visibili (righe di case o interni, per esempio).

prospettiva aerea

La prospettiva lineare è il mezzo più noto per simulare la profondità ed è particolarmente utile per l’interior design e il disegno architettonico, essa è comunque solo uno dei molti mezzi utili per esplorare e suggerire la profondità su una superficie piana. Tutti gli altri mezzi per creare la percezione della profondità che un pittore può utilizzare per dare il senso della profondita, usati tutti insieme sono talvolta denominati prospettiva aerea.

Si potrebbe dire che nella pittura, ci sono tre ambiti fondamentali: valore, colore e composizione. Ciascuna di queste aree ha determinati attributi che possono migliorare o distruggere la sensazione di profondità in un dipinto.

Il valore ha a che vedere con le variazioni in luce e oscurità. (potremmo parlare di una “scala di grigi.”) Questo valore può essere utilizzato anche come un fattore per creare l’illusione della profondità.

Il colore è la seconda risorsa che si può mettere in gioco. Parlando di colore si parla di valore, la parola valore deriva da una radice che significa “forza.” Il Giallo, per esempio, ha un valore molto più leggero, o forza, del blu. Inoltre, il colore viene definito da tonalità e saturazione. Tutti questi attributi possono essere utilizzati per dare l’illusione della profondità.

Le numerose e varie teorie della composizione attraverso i secoli, fondamentalmente condensano le nozioni derivate dall’esperienza degli artisti su cosa “cucinare insieme” per ottenere il risultato. Ci sono inoltre molti mezzi compositivi che contribuiscono all’illusione di profondità. Per orientarci possiamo affrontare tutti i vari mezzi, uno per uno, suddividendoli in categorie di valore, colore e composizione.

L’uso del valore chiaro-scuro per ottenere la profondità

Il valore di chiaroscuro può essere utilizzato come strumento prospettico assegnando aree  di buio e di luce ai piani spaziali (per esempio andando da molto scuro alla luce chiarissima via via che ci allontaniamo o viceversa.) Guardando un paesaggio da un punto panoramico, magari può succedere di osservare come gli alberi più vicini siano piuttosto scuri. Via via l’occhio si avvia in distanza si può vedere che i valori schiariscono sempre di più, diventino sempre più leggeri fino a riuscire a mala pena a distinguere un intervallo da un altro o i valori più distanti dal cielo.

Valore può essere utilizzato anche assegnando arbitrariamente bande di luce e buio che si inseguono in distanza attraverso il piano immagine. Questo metodo funziona bene nei disegni a penna e inchiostro o nelle incisioni. Per esempio, nel tardo pomeriggio, chi non ha visto una fila di alberi, che gettano ombre lunghe attraverso una strada? Le bande di luce e buio dividono il piano dell’immagine scandendo l’allontanarsi del terreno fino allo sfondo.

Definire la profondità grazie al colore

Il colore ha tre qualità che possono essere usate per rendere la profondità: valore, tonalità e saturazione. Se nella precedente discussione sul valore aggiungete un elemento di colore, anche di colore monocromatico, avete una idea di come il valore del colore possa giocare il suo ruolo come strumento organizzativo nella percezione della distanza.

La tonalità è indicata dal nome del colore. È quell’attributo con cui distinguiamo rosso dal blu. Le tonalità primarie nelle miscele di colore sottrattive sono rosso, giallo e blu. Se organizziamo tutte le sfumature in una “ruota dei colori” – inserendo tre colori primari sulla circonferenza in tre punti equidistanti – e poi sfumiamo andando da colore a colore intorno alla ruota (facendo rosso sfumare il rosso nel giallo attraverso tutti i gradi di arancione ecc), Potremo scoprire che un lato della ruota si presenterà con colori “più caldi” mentre l’altro lato risulterà  ”più fresco”. (Un lato è anche intrinsecamente più scuro, e questo è anche un fattore importante quando si utilizza il colore).

Nella percezione della profondità, la visione umana legge i colori caldi (rosso, arancione, giallo, giallo-verde) come più vicini e i colori freddi (blu, viola blu-verde) come più distanti. È da notare che di fronte a un panorama di campi che si perdono in lontananza, pur se è ancora possibile intravvedere del rossu su un tetto, anche in distanza, in generale gli elementi del paesaggio avranno tutti colori che tendono al blu, mentre gli oggetti più vicini risulteranno più luminosi e con toni più caldi.

Il terzo attributo principale del colore è la saturazione. In pratica un colore si può dire saturo quando è alla sua massima potenza, quando il pigmento di quel colore è totalmente puro, al massimo della sua “potenza coloristica”. L’esempio più semplice che si possa fare è con l’acquerello. Se si prende un tubo di acquerello e si spreme un po’ di colore su un piatto, quindi carico un pennello con il colore pieno senza aggiungere acqua, avrò generalmente un colore completamente saturo. Gli unici casi in cui questo non avviene è quando al pigmento è stato aggiunto del bianco, come nel caso del blu ceruleo.

Se al colore iniziamo ad aggiungere acqua prima di stenderlo sulla carta, ecco che all’aumentare della percentuale di acqua il colore, lasciando trasparire il bianco della carta si presenterà meno saturo. I colori più saturi vengono percepiti dalla nostra mente come più vicini rispetto a quelli meno saturi.

Un altro aspetto della saturazione è neutralità. Diamo un’altra occhiata alla ruota dei colori: ogni colore primario ha un colore secondario di fronte. Se si mescolano il colore primario con il suo secondario, si possono ottenere una serie di  ”colori fangosi” una gamma di colori neutrali tra i due colori complementari (vedi anche questo articolo). Nel caso dell’esempio a fianco, se questo colore fangoso o intermedio contiene più rosso che verde, il neutro sarà più marrone che grigio; Viceversa con più verde che rosso risulterà un grigio più freddo del marrone ottenuto prima. Curiosamente, miscele calde neutrali, come ad esempio il marrone vengono “lette” come più vicine rispetto a quelle più tendenti al grigio freddo, provare per credere.

Nel prossimo articolo esamineremo alcuni approcci inusuali o poco noti per rendere la profondità della terza dimensione.

Questo articolo è stato scritto da Pam Coulter Blehert.
Tutti i diritti sono dell’autore che ne permette l’uso per l’insegnamento.

Iscrivetevi alla mailing list sul disegno e la pittura in pratica per ricevere lezioni di disegno e pittura esclusive.

Questo ed altri argomenti sono trattati esaurientemente nei corsi di disegno e pittura che Circolo d’Arti organizza nella sua sede di Cagliari e nel primo corso di disegno e pittura con metodi naturali via web

Parlate di questo e di altri argomenti su disegno e pittura sul nostro forum.Troverete una comunità di amici pronti ad aiutarvi e sostenervi

pittura a olio

Il concetto di cui torniamo a parlare oggi si riferisce al rapporto, in un campo visivo, tra “figura” e “sfondo”. Questo rapporto figura-sfondo è stato individuato dalla psicologia della Gestalt e si riferisce a quello che c’è, in un campo visivo, tra l’oggetto o l’area di attenzione (la figura) e il resto, quello che c’è fra il soggetto e l’inquadratura (lo sfondo)

rapporto figura sfondo

un disegno di esher

Alcune combinazioni figura-sfondo sono facili da individuare, ad esempio un vaso di fiori su un tavolo o una foto incorniciata della zia Maria.

In altri casi la distinzione non è così chiara, ad esempio in un quadro astratto, dove nessuna forma particolare sembra poter essere individuata come il punto di interesse. “figura-sfondo ambigua” è la definizione che significa che l’occhio o la mente si sposta nel valutare che cosa è la figura e che cosa è lo sfondo. La figura a sinistra mette in evidenza l’ambiguità di certe immagini, a destra invece potete vedere come questo aspetto delle forme possa essere usato da un genio dell’arte come Esher per creare forme interessanti e suggestive.

Nell’arte, un dipinto può guadagnare movimento e interesse se c’è qualche ambiguità nel rapporto figura-sfondo. Per esempio, un vaso di fiori su un tavolo è bello, ma non necessariamente molto eccitante. Facilmente lo sguardo perde interesse e lo abbandona.

Ma se aggiungete qualche elemento interessante nel rapporto tra il soggetto e lo sfondo, magari spostando il vaso dal centro, ponendolo nell’inquadratura in modo che tocchi i bordi dell’inquadratura spezzando in varie sezioni lo sfondo, l’immagine potrebbe essere più interessante (o convincente) e guadagnare patos.

Esercizio: procuratevi o create un mirino (fate un buco rettangolare in un cartone grigio oppure usate due pezzi di cartone a forma di L, incrociandoli in modo da poter modificare la forma della finestra del mirino, poi guardatevi intorno, usando il mirino su riproduzioni di quadri, fotografie o anche il paesaggio che vi circonda oppure osservate gli oggetti che vi circondano.

Provate a trovare qualche scorcio interessante, qualche soggetto inquadrato in modo inusuale o che vi emoziona. Appena trovate qualcosa che vi emoziona fissatelo facendo un piccolo bozzetto veloce e sommario. Fate varie prove e valutatele con attenzione, alcune risulteranno interessanti anche a un secondo esame altre non saranno così interessanti. Notate che la valutazione della qualità delle immagini dipende da considerazioni assolutamente soggettive, che variano da persona a persona.

È molto importante che impariate a valutare e riconoscere quello che vi piace e quello che non vi piace, i piccoli bozzetti servono a questo importantissimo scopo.

Questo articolo ha tratto spunto dal corrispondente articolo su Free Art Lesson cui è debitore anche delle immagini.

Iscrivetevi alla mailing list sul disegno e la pittura in pratica per ricevere lezioni di disegno e pittura esclusive.

Questo ed altri argomenti sono trattati esaurientemente nei corsi di disegno e pittura che Circolo d’Arti organizza nella sua sede di Cagliari e nel primo corso di disegno e pittura con metodi naturali via web

Parlate di questo e di altri argomenti su disegno e pittura sul nostro forum.Troverete una comunità di amici pronti ad aiutarvi e sostenervi

Altro da grafite

• Guidare i percorsi dell'occhio – Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica | Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica
• Un esercizio sulla trasparenza relativa – Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica | Pratica l'Arte – disegno e pittura: a olio, acrilico, acquerello
• Imparare a vedere le luci e il colore nelle ombre

Diventate miei partner

Basset Hounda

Questo articolo di Mike Sibley, che vi propongo tradotto dal suo sito, spiega molto bene alcune questioni legate al cosiddetto approccio mediante disegno negativo. Questo approccio è di estrema utilità in moltissimi casi sia nel disegno che in tutte le forme di pittura. Quindi vi consiglio di leggere con attenzione e di cercare di esercitarvi sugli esercizi proposti.

Traduzione dell’articolo originale di Mike Sybley “Drawing Hair“, anche le immagini che accompagnano la spiegazione sono dell’autore dell’articolo originale che ringrazio per la disponibilità.

“Vedere per credere… ma non credere a tutto quello che si vede…” Questo è un motto conciso per dire che è facile disegnare capelli che appaiano realistici e credibili, basta sapere come fare a far apparire, con furbizie tecniche, molti più dettagli di quelli che effettivamente sono presenti.

Ci sono un certo numero di approcci con cui affrontare il disegno di pelame o dei capelli: si può, per esempio scegliere di concentrarsi sulla forma tridimensionale sottostante e poi sovrapporre all’ombreggiatura delle masse solide una trama che suggerisca la presenza della texture del pelame o dei capelli, oppure utilizzare la trama stessa e la sua risposta alle variazioni di luce per definire la forma sottostante. Entrambi gli approcci sono validi e portano ad ottimi risultati, ma la mia preferenza personale è per il secondo per il senso di somiglianza con la realtà che riesco ad ottenere.

bracco

A sinistra potete vedere un delizioso disegno di segugio realizzato da Karen Gillies.

Il chiaroscuro tonale viene usato per plasmare e definire la forma del corpo, in modo da concentrare l’attenzione dello spettatore sugli occhi.  L’artista ha assegnato a poca importanza al dettaglio del pelame.

L’uso di una ombreggiatura globale consiste nel trattare il soggetto come un singolo oggetto tridimensionale senza trama superficiale, applicando uno schema complessivo di valori tonali.  Nel dare priorità visual nel form sottostante, la presenza di capelli viene lasciata quasi interamente all’immaginazione spettatori.

basset hound

Qui a fianco potete vedere un mio disegno di Basset Hound, in esso è possibile vedere come la resa del pelame sia l’unico mezzo usato per esprimere la forma tridimensionale del corpo.  Nel disegno il bianco dell’occhio è stato conservato con cura per attirare l’attenzione in quella direzione.

Ho usato una ombreggiatura locale – rendendo la rifrazione della luce di ogni pelo o ciocca di peli, in modo che essa viene resa applicando i toni richiesti.  Non esiste ombreggiatura globale, ma ciascuna ombreggiatura locale viene regolata in riferimento alla sua posizione dentro l’intero soggetto.  In questo caso è stata data priorità all’aspetto esteriore, la forma tridimensionale è descritta solo dall’andamento del pelo, dalla sua consistenza ed evidenza superficiale.

Non tutto è bianco o nero
Se tutto ciò che appare “nero” fosse davvero nero e tutto il “bianco” fosse puro bianco non saremmo in grado di vedere nessun volume, vedremmo solo forme piatte, informi e con contorni taglienti. Ma non c’è nulla nella nostra esperienza di vita di così semplice – in realtà i riflessi e le variazioni di capacità di assorbimento della luce giocano una parte molto importante nella nostra percezione di ciò che vediamo. Sono le luci, i riflessi e le ombre del manto lucido di un Labrador nero che ci danno indicazioni circa che tipo di animale abbiamo davanti. La struttura sottostante non viene mai visto direttamente. La trame del pelame, solo questa percezione ci permette di definire forma tridimensionale sottostante. Lo stesso vale per un barboncino bianco tranne che l’enfasi è invertita – le ombre giocano una parte maggiore rispetto ai riflessi luminosi.

Un segno a matita non è un capello
Questo è un aspetto è fondamentale considerando il processo del disegno che non si sottolinea mai troppo o troppo spesso: le matite non possono disegnare i peli. I tratti di una matita possono al massimo definire la posizione e la forma dei peli.  Questa affermazione potrebbe apparire un po’ troppo semplicistica – in effetti ci saranno dei casi in cui dei capelli scuri passeranno sopra una massa di capelli bianchi e questo richiederà effettivamente dei tratti di matita in positivo.  E sicuramente le matite permettono di rendere i giusti valori tonali al pelame.  Ma in generale utilizzare una linea di matita non è utile per rappresentare un capello, molto più efficace è rappresentare il gioco di luci ed ombre che circonda e separa i peli, il confine tra i peli.

Positivi e negativi…
Disegno dei capelli ha a che vedere con l’uso del disegno positivo e negativo (vedi anche Il disegno negativo, le basi del disegno negativo 1, le basi del disegno negativo 2, il disegno negativo spontaneo) ciascuno di questi due aspetti va compreso in modo approfondito prima di essere combinato con l’altro senza che si creino difficoltà e senza sforzo si possano riprodurre pellicce e capelli con un senso della realtà.  Come indicato in precedenza, vediamo i peli neri a causa dei loro riflessi luminosi salienti mentre i peli e i capelli bianchi sono delineati dalle ombre.  In entrambi i casi i peli sono visibili a causa delle loro proprietà “negative”.  In pratica si disegnano non i capelli, ma le ombre o i riflessi che le o evidenziano.  Per i capelli neri, il risalto verrà dato da toni via via più scuri, a partire dai riflessi bianchi, fino ad arrivare ai toni più scuri ma non fino al nero, i toni più scuri disponibili devono essere riservati per le ombre positive che definiscono i contorni dei peli neri non per capelli stessi.  Questa è la chiave per disegno negativo; la tecnica che dovete imparare è quella di concentrare la vostra attenzione completa non sulle linee effettive si stanno disegnando ma sugli spazi presenti tra di esse.

In modo analogo alla pittura ad acquerello l’unico bianco disponibile disegnando a grafite su carta bianca e proprio il  bianco della carta.  Per produrre una linea bianca è pertanto necessario definire quella linea creandogli intorno un tono più scuro.  La linea che si sta disegnando non ha nessuna importanza in sé.  È lo spazio tra le righe che è di primaria importanza.

Queste sono linee nere su bianco o bianche su nero? Se queste sono linee nere disegnate su carta bianca, le linee tracciate sono segni positivi.

Queste sono linee bianco su nero? Sembra essere così solo perché il nero definisce i loro confini. Il nero è disegnato esclusivamente per creare il bianco. Questo è il disegno negativo.

Il fogliame è un esempio di disegno positivo. I tratti a matita forniscono i toni in risalto

Un esempio di disegno negativo - le linee a matita servono solo a definire i peli bianchi da far risaltare

Una combinazione dei due metodi: l'ombra portata in positivo è esteso in su per definire il contorno frastagliato dei peli del ciuffo superiore e in giù per definire l'emergere dei peli del ciuffo inferiore definendoli in negativo.

Come Si ottiene questo risultato?

Border Collie

Ove possibile, io inizio il lavoro partendo dalle zone scure e andando verso quelle in luce.  Da un punto di vista puramente pratico è molto più facile di innestare il disegno sviluppandolo a partire dalle aree di tono scuro.  Questo mi permette di usarlo come una cerniera – per sviluppare i toni in una direzione per poi tornare alla cesura e proseguire nella direzione opposta.  Useremo l’orecchio in alto a destra nella illustrazione a fianco, corrispondente all’orecchio sinistro di questa bella Border Collie, per fare una dimostrazione di questa maniera di procedere.  Lavorerei quest’area in quattro fasi distinte….

Prima fase:

ombra di confine

Dopo aver trovato una zona scura di confine da cui partire per lavorare, definisco in modo approssimativo il contorno del pelame superiore in negativo lasciando in bianco i riflessi chiari dei peli superiori. ricordate che sto definendo in negativo solo le ombre tra i peli della massa superiore che lascerò in bianco fino alla fase successiva

Seconda fase:
Lavorando dallo scuro verso la luce, definisco i toni del lembo dell’orecchio creando con il disegno negativo le ombre tra i peli e non i peli stessi.

Una volta che i peli sono definiti applicherò i toni adeguati per dare loro il corretto tono che li plasmi tridimensionalmente. L’illuminazione verrà continuamente regolata per raggiungere la forma tridimensionale richiesta.

Terza fase:
Si passa a definire la parte scura al disotto del bordo dell’orecchio estendendo l’ombreggiatura, sempre con una attenzione alle ombre tra i peli, se necessario, usando gomma pane modellata a lametta si possono tracciare nella zona scura piena peli più chiari.

Quarta fase:
Le alte luci definite in negativo verranno richiuse riunendo le linee di confine che le definiscono e formando il bordo frastagliato del pelame del collo. Queste linee si riuniranno in una massa che definirà in modo positivo la punta di ogni pelo e ciocca.

Conclusione:
Gestire una piccola area del disegno per volta renderà il lavoro più facile sia mentalmente che fisicamente, basterà avere sempre in mente il progetto complessivo per mantenere saldamente nel controllo.  Contrariamente alla prima procedura indicata nel disegno del segugio, non bisogna cadere nella tentazione di di lavorare su tutto il disegno in una sola volta, né si dovrebbe tentate di riempire intere aree con toni di modellazione delle masse complessive. Certo procedendo nel modo classico (per masse) il disegno avrebbe un aspetto più completo molto più rapidamente e si potrebbe sentire che sta aiutando a stabilire la forma ma attenzione – i riflessi più splendenti potrebbero risultare compromessi e successivamente potrebbero non essere più realizzabili, causando una perdita definitiva della vita e della profondità tonale.  Bisognerà riflettere e decidere sulla direzione della luce, prendere in considerazione la posizione di ogni capello è definire e quindi applicare l’illuminazione di conseguenza.  Definire i vostri capelli e poi calcolare e aggiungere il valore tonale locale specifico darà al vostro disegno un estremo senso di realtà.

.

Iscrivetevi alla mailing list sul disegno e la pittura in pratica per ricevere lezioni di disegno e pittura esclusive.

Questo ed altri argomenti sono trattati esaurientemente nei corsi di disegno e pittura che Circolo d’Arti organizza nella sua sede di Cagliari e nel primo corso di disegno e pittura con metodi naturali via web

Parlate di questo e di altri argomenti su disegno e pittura sul nostro forum.Troverete una comunità di amici pronti ad aiutarvi e sostenervi

Altro da grafite

• Imparare a vedere spazi positivi e negativi per disegnare
• 23 tecniche e segreti generali per disegnare
• 14 trucchi per disegnare tonalità e chiaroscuro

Diventate miei partner

Toni della pelle,colori che brillano.
Ali Cavanaugh ha scoperto il modo e il mezzo per creare figure ricche di sfumature dipingendo ad acquerello.
by Lynne Moss Perricelli
Ali Cavanaugh preferisce come mezzo l’acquerello, ma il suo approccio si avvicina a quello di un pittore ad olio. Costruendo più strati, miscelando lentamente i colori per ottenere la tonalità e valore desiderato, ottiene una profondità e luminosità notevole , in particolare nella tonalità della pelle. Questo approccio intenso di manodopera e un’applicazione non convenzionale dell’acquerello richiede una superficie speciale,
che Cavanaugh ha scoperto nel “Ampersand di Aquabord”, un pannello in gesso con base in compensato di betulla e coperto con argilla caolino. L’artista descrive la superficie come “ghiaiosa”, con una texture ricca che trattiene bene la pittura. In più la superficie bagnata permette al colore di rimane lavorabile per un lungo periodo di tempo.
Cavanaugh inizia ogni nuovo lavoro con l’organizzazione di un servizio fotografico. I suoi modelli sono in genere la figlia e i nipoti, e li veste con abiti della propria collezione di tessuti vintage.

“La magia per me è nel vestire la figura e fare il servizio fotografico. La parte creativa del mio processo è per lo più a catturare la figura in una posa emozionale.L’abbigliamento dà il tono, ma ancora di più mi permette di riunire le due cose che amo di più: il tessuto e la figura.  Dipingere il tessuto e gli schemi mi dà motivazione “.
Fissa la sua macchina fotografica digitale su un treppiede e la imposta per circa 200-300 scatti. Impegna il modello in conversazioni sino a quando trova una naturale, irresistibile posa. Poi carica le foto al suo computer, dove le manipola ed elabora con il Software Photoshop.

“Io scelgo una o un paio di foto e le monto insieme ” dice l’artista. ”Elimino alcuni elementi, trasformo tutto in bianco e nero, taglio ed incollo da altre foto, mantenendo tutto sullo schermo. ”

Una volta che ha scelto la composizione, sceglie un pannello e realizza un disegno leggero di grafite, bagna la superficie e poi inizia a dipingere. La grafite si dissolve quando l’acqua entra in contatto con il pigmento di superficie. “Non ho un’impostazione fissa”, spiega “Ogni quadro inizia a modo suo. A volte lavoro dal chiaro allo scuro, a volte non lo faccio. “ Cavanaugh paragona il suo processo a quello della tempera all’uovo, ma lei usa tratti più piccoli per sovrapporre il colore in strati in un processo lento e meticoloso. Inizia in genere con un pennello n.1 di zibellino piattoper colorare le zone di fondo, poi utilizza pennelli più piccoli, fino a un0  0,2. ”In genere utilizzo per la pittura quattro pennelli”, osserva. “La consistenza sabbiosa della superficie logora velocemente il pelo del pennello”.

Organizza i suoi colori, per la maggior parte di Daniel Smith, su piastrelle di ceramica
in gruppi di colori: uno per la pelle, uno per i capelli e uno per il tessuto. Ogni tanto spruzza i colori per tenerli bagnati, aggiunge molta acqua al pigmento e mescola un pò di colore sulla tavolozza. Lascia asciugare ogni strato di pittura prima di applicare il successivo, in modo da impedire che gli strati sottostanti si sollevino. La sua tonalità della pelle consiste principalmente di vari gradi dei seguenti colori: giallo ocra, rosso cadmio chiaro, rosso cadmio medio, una varietà di viola, linfa verde, terra d’ombra bruciata, terra di siena bruciata, e marrone Van Dyck. Nella pittura  dei tessuti,  stratifica colori complementari per dare profondità. Per i tessuti grigi, unisce nero fumo, grigio Payne, indaco e blu ceruleo.

Se necessario Ali Cavanaugh, una volta dipinto a strati, rielabora alcune aree, asportando la pittura con pennelli puliti e tovaglioli di carta. Contrasta, mette in luce e fa altre regolazioni.

“Non so come spiegarlo, mi limito a dire che basta passare sul colore col pennello. Io continuo a lavorarci fino a quando il risultato mi sembra buono ” dice. “La mia pittura arriva anche a 50 strati”. Quando un pezzo è finito, Cavanaugh passa 3-4 strati di acrilico opaco spray per sigillare e proteggere la superficie, aggiungendo tre strati
di Minwax Polycrylic sui lati del compensato. Nei pezzi piccoli applica un gancio a dente di sega sul retro e paraurti ingomma in modo da bloccare perfettamente il quadro contro il muro.I pezzi più grandi richiedono anelli a D sul retro del supporto e un filo per appendere. Cavanaugh ritiene che il suo interesse per la figura abbia la sua origine nella sua sordità.  ”Ho una piccola quantità di udito in un orecchio,” dice, “ma devo dipendere dalla lettura delle labbra e dal linguaggio del corpo. Questo mi ha messo in sintonia con gli altri e con il linguaggio inespresso del corpo. Mi piace la struttura  della figura, ma ciò che mi colpisce profondamente è la dimensione invisibile all’occhio.  Ho iniziato con ritratti commissionati allascuola superiore e al college, ma sono sempre tornata al  linguaggio del corpo”

Nel 2004, dopo la nascita di sua figlia, la figura ha assunto significato ancora maggiore,
osservando la crescita della figlia che le ha fatto ricordare la propria infanzia. La creazione di immagini di ragazze ha rappresentato “un punto di ingresso nelle mie esperienze passate “, dice.
L’artista, già dalla scuola d’arte, è stata notata per il suo uso dello spazio negativo. “Dò molta importanza allo spazio negativo” dice, “e credo che sia perché la composizione risulta più quieta e lo spazio negativo crea un silenzio. Forse è a causa della mia perdita di udito. Forse è solo per isolare la figura, proprio come quando qualcuno sta parlando e mi devo concentrare completamente su quella persona. ”

Recentemente Ali Cavanaugh ha intrapreso una nuova serie di immagini intervallate nel tempo. Finora
ha quattro set, ancora nelle prime fasi, in cui lei mostra la stessa figura in punti diversi nel tempo. Vorrebbe anche cucire i vestiti per i suoi scatti. ”Al momento mi limito ai vestiti dei negozi “, spiega,” ma mi piacerebbe intervenire nel taglio e ricucirli. Amo i vestiti sia al dritto che al rovescio, le cuciture, i fili. Voglio giocarci ed essere più creativa con i tessuti. ”
Non c’è dubbio che questa artista troverà un modo per rendere sia il processo che la pittura esclusivamente suoi. Questo è ciò che ha sempre fatto.

http://www.artistdaily.com/
http://www.alicavanaugh.com/

Cenni biografici
Ali Cavanaugh è nata a St. Louis nel 1973 e lavora da 15 anni come artista professionista . Le sue composizioni sono forti e intuitive, grazie non solo all’essere moglie e madre, ma anche alle mutazioni nella sua vita, come la perdita dell’udito che l’ha spinta ad adattarsi e ricreare il mondo intorno a lei.

Cavanaugh ha sviluppato un processo definito come “neo affresco secco”, dove si applica l’acquerello su pannelli in gesso; le sue figure sono spesso accentuate dai forti spazi bianchi in negativo. Affascinata dalla dicotomia delle cose visibili e invisibili nella condizione umana … corpo e anima …L’arte di Cavanaugh porta alla luce la complessità all’interno della contemplazione. I titoli poetici sono la sua firma e fanno parte di questo discorso coinvolgente.

Ad Ali Cavanaugh è stato assegnato il prestigioso Presidential Scholarship dalla Fondazione Wolcott David Kendall ,una borsa di studio al merito di quattro anni di lezioni. Questo le ha permesso di studiare pittura presso il Kendall College of Art and Design e nel 1994 è stata inserita in un Programma del New York Studio Residency a New York City (attraverso Parsons School of Design). Cavanaugh ha guadagnato un BFA con particolare attenzione alla pittura nel 1995. Nel 1996 ha co-fondato la Scuola Nuova Accademia di Belle Arti a Grand Rapids, Michigan. Ali Cavanaugh ha un vasto seguito di studenti e collezionisti ed è diventata uno degli insegnanti privati più quotati del West Michigan. Nel 2000,durante il suo trasferimento di lavoro a Santa Fe – Nuovo Messico, città famosa nel panorama artistico internazionale, ha sviluppato la sua particolare tecnica ad acquerello.

Cavanaugh ha avuto 40 mostre personali e collettive in gallerie d’arte in tutti gli Stati Uniti, è stata citata nelle più importanti pubblicazioni dedicate all’arte. Forse a causa dell’energia contagiosa del suo lavoro unita alla profonda riflessione,  i suoi collezionisti le sono particolarmente devoti. Il suo lavoro ha ricevuto riconoscimenti internazionali ed è presente in più di 400 collezioni private e aziendali negli Stati Uniti, Canada, Inghilterra, Germania, Portogallo, Svizzera, Singapore e Australia.
Ora vive nella zona di St. Louis con il marito e tre figli.

“La mia dipendenza dal mondo visivo è iniziata quando ho perso gran parte del mio udito a causa della meningite spinale a 2 anni di età. Questa perdita è stata una benedizione sotto mentite spoglie, perchè per comunicare  ho imparato a dipendere dal linguaggio del corpo e dalla lettura delle labbra. Quindi, dalla mia infanzia, sono diventata sensibile alle persone intorno a me e al linguaggio inespresso rivelato attraverso composizioni del corpo umano. Mi coinvolge ritrarre la figura umana nei suoi due aspetti: corpo e anima. L’immagine di una giovane figura femminile raggiunge una parte del mio passato che contiene una collezione infinita di idee e di immagini che mi ispirano. Mia figlia mi aiuta a creare il quadro visivo come punto di ingresso in quei ricordi.
Sono costantemente in uno stato di consapevolezza del mondo attraverso immagini, colori e modelli che al mio occhio sono composizioni di ambientazioni e persone. Questo mi tiene in uno stato d’animo che arricchisce la mia percezione di ogni singolo istante.”

Se ti interessa questo articolo, iscriviti al Forum e parliamone insieme.

Altro da grafite

• Imparare a vedere spazi positivi e negativi per disegnare
• Maschere per la scelta di combinazioni di colore Secondo James Gourney | Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica
• Il Volto Maschile by Andrew Loomis

Diventate miei partner

Nicola Samorì

I lavori di Nicola Samorì spesso si riferiscono alla pittura italiana del XVII secolo, anche nella tecnica pittorica che l’autore utilizza. Quindi nature morte, ritrattidipinti devozionali realizzati con una enorme competenza tecnica, strato su strato su rame, legno e tela. La sua scelta poetica però non è certo quella del ricalco delle orme dei maestri del periodo storico di riferimento.

Nel suo immaginario Samorì parte dalla realizzazione di un dipinto “finito” ma a un certo punto come se una impazienza iconoclasta lo travolgesse, il pittore, nella materia stessa della pittura, inizia una distruzione sistematica, con interventi a spatola, diluente o addirittura a mani nude la pittura fresca viene aggredita, spellata, strappata.

La fisicità e il corpo sono molto importanti per i dipinti di Samorì e il processo di scuoiatura sottolinea questa importanza.

Nel “corpo del lavoro” di Samorì procede con un’abbondanza di riferimenti storico artistici che stridono, contrastano con le masse di vernice distrutta focalizzando l’attenzione sulla materialità e artificiosità dell’immagine.
Samorì nega per questa via la classicità della pittura per porre questioni impellenti sulla pittura stessa.

Visitate il suo sito

Iscrivetevi alla mailing list sul disegno e la pittura in pratica per ricevere lezioni di disegno e pittura esclusive.

Questo ed altri argomenti sono trattati esaurientemente nei corsi di disegno e pittura che Circolo d’Arti organizza nella sua sede di Cagliari e nel primo corso di disegno e pittura con metodi naturali via web

Parlate di questo e di altri argomenti su disegno e pittura sul nostro forum.Troverete una comunità di amici pronti ad aiutarvi e sostenervi

Altro da grafite

• Disegnare la struttura del volto con il sistema di Andrew loomis
• La tecnica di pittura di Caravaggio
• Studio di nudo a carboncino

Diventate miei partner

natura morta

Un colore può essere definito trasparente quando si può vedere attraverso di esso il colore che c’è sotto. Le caratteristiche di trasparenza e di opacità influenzano il modo di usare i colori. È importante comprendere che tentare di forzare un colore trasparente, cercando di renderlo opaco, ci porterà a risultati sicuramente deludenti.

I colori che si usano per gli acquerelli sono per definizione piuttosto trasparenti. La maggior parte dei colori acrilici sonosemitrasparenti (ad eccezione del bianco).

Anche molti dei pigmenti usati per la pittura ad olio sono trasparenti, altri sono semi opachi o abbastanza opachi. Una delle caratteristiche dei colori ad olio è che, grazie all’uso di olio o di resine come la Damar, la Mastice o il Liquin anche i colori semoopachi o quelli completamente opachi possono essere rese in qualche misura trasparenti.

Facciamo qualche esempio:

• il cremisi alizarina (lacca di Garanza), il blu oltremare, il blu di Prussia, la terra di Siena bruciata e il viridian sono molto trasparenti.
• il giallo di cadmio, il rosso di cadmio, il rosso indiano (simile alla  terra di Siena bruciata) sono opachi.
• il bianco di zinco è ritenuto del bianco di titanio.

Un esame della tabella dei colori di Winsor & Newton ci dà modo di scegliere due serie di colori per creare due tavolozze possibili, una composta da colori trasparenti e una da colori opachi.

opaco	trasparente
giallo trasparente	giallo cadmio
rosso brillante	rosso di cadmio
Cremisi alizarina	[nessun equivalente]
blu oltremare	blu cobalto scuro (semi-trasparente)
blu di prussia	Cerulean blu (semi opaco)
terra di siena bruciata	rosso indiano
bianco trasparente	bianco di titanio

Oltre a questi colori si dovrebbe includere anche una  tavolozza limitata di colori con un elevato grado di trasparenza, alcuni sono già presenti nell’elenco precedente ma li riporto insieme agli di seguito:

opaco	trasparente
giallo Winsor limone (un giallo verdastro)	giallo indiano (un giallo più arancio)
rosso brillante	cremisi alizarina
blu oltremare (un blu rossiccio)	blu di prussia (un blu verdastro)

Questa sorta di tavolozza limitata è discussa da Michael Wilcox nel libro”
BLUE AND YELLOW DON’T MAKE GREEN“. Conviene sostituire il blu di Prussia al Ceruleo. Il ceruleo contiene spesso bianco, che lo rende meno soddisfacente – più debole, meno saturo – sulla tavolozza ad olio e acrilico e totalmente insoddisfacente sulla tavolozza per acquerello.

Esercizio: Testare la trasparenza dei colori

Velature sul bianco e nero

Su un fondo grigio, create una serie di larghe striscie verticali che vadano digradando dal nero al bianco e lasciate asciugare bene, successivamente provate a stendere i colori della vostra tavolozza in righe orizzontali, di traverso sulle righe realizzate in precedenza e osservate come i colori si comportano rispetto alle strisce digradanti.

Questo esercizio renderà evidente come ciascun colore si comporterà con i colori su cui verrà steso.

Alcuni nasconderanno completamente i toni scuri sottostanti. Alcuni lo faranno solo parzialmente, altri risulteranno totalmente trasparenti.

velatura su colore

Facciamo un’altra prova, Facciamo una serie di strisce verticali con i colori della nostra tavolozza, lasciamoli asciugare. Successivamente creiamo delle fasce orizzontali, sui colori precedenti, degli stessi colori ma mescolati con un medium, un olietto, per renderli trasparenti, in questo modo potremo apprezzare in che modo i nostri colori si combinano per trasparenza e quante varietà di colore potremo ottenere dalla nostra tavolozza anche senza impastare i colori tra di loro.

L’uso dei colori trasparenti a velatura può aiutare a rendere le nostre tele più luminose e brillanti.

natura morta di tre quarti

Nel piccolo dipinto che vi presento, realizzato da Pam Coulter Blehert, intitolato ”natura morta di tre quarti” sono evidenti le velature usate per rendere luminosi i colori e trasparenti le ombre proprie dei frutti.

Questa lezione è stata liberamente tradotta dalle Free Art Lesson di Pam Coulter Blehert che è l’autore delle illustrazioni e del quadro inserito come esempio.

Iscrivetevi alla mailing list sul disegno e la pittura in pratica per ricevere lezioni di disegno e pittura esclusive.

Questo ed altri argomenti sono trattati esaurientemente nei corsi di disegno e pittura che Circolo d’Arti organizza nella sua sede di Cagliari e nel primo corso di disegno e pittura con metodi naturali via web

Parlate di questo e di altri argomenti su disegno e pittura sul nostro forum.Troverete una comunità di amici pronti ad aiutarvi e sostenervi

Altro da grafite

• Un esercizio sulla trasparenza relativa – Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica | Pratica l'Arte – disegno e pittura: a olio, acrilico, acquerello
• Guidare i percorsi dell'occhio – Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica | Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica
• Stage intensivo di mosaico moderno – Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica | Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica

Diventate miei partner

un ritratto di Lu Cong

Lu Cong è nato a Shanghai, nel mese di febbraio 1978. È emigrato negli Stati Uniti nel 1989 all’età di 11 anni. Dopo essersi laureato presso la University of Iowa, con una laurea in biologia e arte nel 2000, Lu ha scelto di perseguire l’arte del ritratto piuttosto che la medicina.

I suoi primi lavori erano tele grandi che cercavano il sensazionale, dipinti in modo melodrammatico, con esagerato pathos, la sua intuizione acuta e sensibilità verso i suoi soggetti erano comunque già evidenti.

Tra il 2003 e il 2007, Lu è stato riconosciuto da una serie di pubblicazioni d’arte come artista emergente di notevole interesse.

Da allora, Lu ha sviluppato un aspetto distintivo è che molti considerato come un approccio originale al realismo figurativo. I suoi ritratti non si limitano a catturare la somiglianza fisica o emotiva del soggetto, anzi invitano a stabilire con esso un autentico impegno – interazione simile a quello  che ne consegue quando uno si trova faccia a faccia con il sensuale, l’inspiegabile, e l’inquietante.

Visitate il suo blog e ditemi che ne pensate, qui o discutiamone sul Forum di pratica l’arte

Altro da grafite

• La pittura di Nicola Samorì
• plastificare i modelli per testare i colori
• Statue per esercizi di disegno del volto

Diventate miei partner

Austin Osman Spare

Austin Osman Spare (30 dicembre 1886 – 15 maggio 1956) è stato un artista italiano che ha sviluppato idiosincratiche tecniche magici, tra cui la scrittura automatica, sigilization e il disegno automatico basato su sue teorie del rapporto tra conscio e inconscio auto. Suo lavoro artistico è caratterizzata da abile disegnatore esibendo una padronanza dell’uso della linea e spesso impiega immaginario mostruoso o fantastico magico e sessuale.

Iscrivetevi alla mailing list sul disegno e la pittura in pratica per ricevere lezioni di disegno e pittura esclusive.

Questo ed altri argomenti sono trattati esaurientemente nei corsi di disegno e pittura che Circolo d’Arti organizza nella sua sede di Cagliari e nel primo corso di disegno e pittura con metodi naturali via web

Parlate di questo e di altri argomenti su disegno e pittura sul nostro forum.Troverete una comunità di amici pronti ad aiutarvi e sostenervi

Altro da grafite

• Un esercizio sulla trasparenza relativa – Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica | Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica
• Statue per esercizi di disegno del volto
• Come fare ritratti con Illustrator simulando l’uso di pennarelli e acquerelli

Diventate miei partner

illustrazione libro

SPAZIO P

Altro da grafite

• Un esercizio sulla trasparenza relativa – Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica | Pratica l'Arte – disegno e pittura in pratica
• Statue per esercizi di disegno del volto
• Come fare ritratti con Illustrator simulando l’uso di pennarelli e acquerelli

Diventate miei partner

autore: Duffy Sheridan

Vi segnalo un sito fondamentale per chi ama il realismo in tutte le sue forme. Mostra le opere e segnala i siti di artisti internazionali ad altissimo livello. Imperdibile per chi cerca spunti e nuovi percorsi di ricerca. Ho tradotto per voi il testo introduttivo sulla politica dei suoi fondatori.
“La nostra missione è di promuovere il realismo in arte attraverso mostre nei musei e in gallerie d’arte, workshop e programmi di educazione condotti da nostri Soci,  dare un supporto nel marketing ed esporre le opere su Internet.

Per noi, il “realismo” spazia dal realismo classico (basato sul tradizionale,  con tecniche di pittura in stile accademico) al realismo contemporaneo (dove tecniche di taglio dei bordi e le materie sono usate per commentare il mondo di oggi). Trompe l’oeil, fotorealismo, surrealismo, e super-realismo sono solo alcuni dei generi compresi nel range di scelta  degli artisti realisti moderni.

La Gilda Internazionale del Realismo è stata fondata nel 2002 da un gruppo di importanti artisti professionisti del realismo, provenienti da tutto il mondo  con quattro obiettivi:

• Riconoscere i migliore realisti al lavoro oggi
• Creare opportunità espositive
• Fornire supporto tecnico e promozionale
• Offrire un ponte tra collezionisti d’arte e l’arte di più alta qualità realista, creata dai nostri membri.
La nostra politica è basata sulla convinzione dimostrata che più gli amanti dell’arte del mondo avranno accesso ad alta qualità di realismo, maggiore sarà il valore di queste opere. Il valore non solo in termini monetari, ma in segno di apprezzamento, comprensione e attenzione internazionale.

Per i collezionisti d’arte, creiamo mostre in musei e gallerie che si spaziano sui molti aspetti possibili di realismo, in modo da mostrare il panorama dei lavori internazionali in questo campo. Per i musei, abbiamo curato mostre tematiche che forniscono un’istantanea del realismo di oggi. Gli artisti, ci forniscono informazioni su laboratori condotti dai membri e le riviste ci aggiornano sulle tecniche di realismo, in modo che la qualità della forma d’arte continui a migliorare in tutto il mondo.
E ‘tutto basato su una premessa semplice: più gli artisti realisti sono in competizione fra di loro, maggiore è il beneficio per gli amanti dell’arte nel mondo.

http://www.realismguild.com/index.html

Ho selezionato per voi alcuni degli artisti presenti nel sito.

autore: Stephen Stavast

autore: Lorena Kloosterboer

autore: Barbara Fox

autore: Lee Alban

autore: Laurin McCracken

autore: William Albanese

Altro da grafite

• Statue per esercizi di disegno del volto
• plastificare i modelli per testare i colori
• sovrapposizione dei colori ad acquerello

Diventate miei partner