Toni della pelle,colori che brillano.
Ali Cavanaugh ha scoperto il modo e il mezzo per creare figure ricche di sfumature dipingendo ad acquerello.
by Lynne Moss Perricelli
Ali Cavanaugh preferisce come mezzo l’acquerello, ma il suo approccio si avvicina a quello di un pittore ad olio. Costruendo più strati, miscelando lentamente i colori per ottenere la tonalità e valore desiderato, ottiene una profondità e luminosità notevole , in particolare nella tonalità della pelle. Questo approccio intenso di manodopera e un’applicazione non convenzionale dell’acquerello richiede una superficie speciale,
che Cavanaugh ha scoperto nel “Ampersand di Aquabord”, un pannello in gesso con base in compensato di betulla e coperto con argilla caolino. L’artista descrive la superficie come “ghiaiosa”, con una texture ricca che trattiene bene la pittura. In più la superficie bagnata permette al colore di rimane lavorabile per un lungo periodo di tempo.
Cavanaugh inizia ogni nuovo lavoro con l’organizzazione di un servizio fotografico. I suoi modelli sono in genere la figlia e i nipoti, e li veste con abiti della propria collezione di tessuti vintage.

“La magia per me è nel vestire la figura e fare il servizio fotografico. La parte creativa del mio processo è per lo più a catturare la figura in una posa emozionale.L’abbigliamento dà il tono, ma ancora di più mi permette di riunire le due cose che amo di più: il tessuto e la figura.  Dipingere il tessuto e gli schemi mi dà motivazione “.
Fissa la sua macchina fotografica digitale su un treppiede e la imposta per circa 200-300 scatti. Impegna il modello in conversazioni sino a quando trova una naturale, irresistibile posa. Poi carica le foto al suo computer, dove le manipola ed elabora con il Software Photoshop.

“Io scelgo una o un paio di foto e le monto insieme ” dice l’artista. ”Elimino alcuni elementi, trasformo tutto in bianco e nero, taglio ed incollo da altre foto, mantenendo tutto sullo schermo. ”

Una volta che ha scelto la composizione, sceglie un pannello e realizza un disegno leggero di grafite, bagna la superficie e poi inizia a dipingere. La grafite si dissolve quando l’acqua entra in contatto con il pigmento di superficie. “Non ho un’impostazione fissa”, spiega “Ogni quadro inizia a modo suo. A volte lavoro dal chiaro allo scuro, a volte non lo faccio. “ Cavanaugh paragona il suo processo a quello della tempera all’uovo, ma lei usa tratti più piccoli per sovrapporre il colore in strati in un processo lento e meticoloso. Inizia in genere con un pennello n.1 di zibellino piattoper colorare le zone di fondo, poi utilizza pennelli più piccoli, fino a un0  0,2. ”In genere utilizzo per la pittura quattro pennelli”, osserva. “La consistenza sabbiosa della superficie logora velocemente il pelo del pennello”.

Organizza i suoi colori, per la maggior parte di Daniel Smith, su piastrelle di ceramica
in gruppi di colori: uno per la pelle, uno per i capelli e uno per il tessuto. Ogni tanto spruzza i colori per tenerli bagnati, aggiunge molta acqua al pigmento e mescola un pò di colore sulla tavolozza. Lascia asciugare ogni strato di pittura prima di applicare il successivo, in modo da impedire che gli strati sottostanti si sollevino. La sua tonalità della pelle consiste principalmente di vari gradi dei seguenti colori: giallo ocra, rosso cadmio chiaro, rosso cadmio medio, una varietà di viola, linfa verde, terra d’ombra bruciata, terra di siena bruciata, e marrone Van Dyck. Nella pittura  dei tessuti,  stratifica colori complementari per dare profondità. Per i tessuti grigi, unisce nero fumo, grigio Payne, indaco e blu ceruleo.

Se necessario Ali Cavanaugh, una volta dipinto a strati, rielabora alcune aree, asportando la pittura con pennelli puliti e tovaglioli di carta. Contrasta, mette in luce e fa altre regolazioni.

“Non so come spiegarlo, mi limito a dire che basta passare sul colore col pennello. Io continuo a lavorarci fino a quando il risultato mi sembra buono ” dice. “La mia pittura arriva anche a 50 strati”. Quando un pezzo è finito, Cavanaugh passa 3-4 strati di acrilico opaco spray per sigillare e proteggere la superficie, aggiungendo tre strati
di Minwax Polycrylic sui lati del compensato. Nei pezzi piccoli applica un gancio a dente di sega sul retro e paraurti ingomma in modo da bloccare perfettamente il quadro contro il muro.I pezzi più grandi richiedono anelli a D sul retro del supporto e un filo per appendere. Cavanaugh ritiene che il suo interesse per la figura abbia la sua origine nella sua sordità.  ”Ho una piccola quantità di udito in un orecchio,” dice, “ma devo dipendere dalla lettura delle labbra e dal linguaggio del corpo. Questo mi ha messo in sintonia con gli altri e con il linguaggio inespresso del corpo. Mi piace la struttura  della figura, ma ciò che mi colpisce profondamente è la dimensione invisibile all’occhio.  Ho iniziato con ritratti commissionati allascuola superiore e al college, ma sono sempre tornata al  linguaggio del corpo”

Nel 2004, dopo la nascita di sua figlia, la figura ha assunto significato ancora maggiore,
osservando la crescita della figlia che le ha fatto ricordare la propria infanzia. La creazione di immagini di ragazze ha rappresentato “un punto di ingresso nelle mie esperienze passate “, dice.
L’artista, già dalla scuola d’arte, è stata notata per il suo uso dello spazio negativo. “Dò molta importanza allo spazio negativo” dice, “e credo che sia perché la composizione risulta più quieta e lo spazio negativo crea un silenzio. Forse è a causa della mia perdita di udito. Forse è solo per isolare la figura, proprio come quando qualcuno sta parlando e mi devo concentrare completamente su quella persona. ”

Recentemente Ali Cavanaugh ha intrapreso una nuova serie di immagini intervallate nel tempo. Finora
ha quattro set, ancora nelle prime fasi, in cui lei mostra la stessa figura in punti diversi nel tempo. Vorrebbe anche cucire i vestiti per i suoi scatti. ”Al momento mi limito ai vestiti dei negozi “, spiega,” ma mi piacerebbe intervenire nel taglio e ricucirli. Amo i vestiti sia al dritto che al rovescio, le cuciture, i fili. Voglio giocarci ed essere più creativa con i tessuti. ”
Non c’è dubbio che questa artista troverà un modo per rendere sia il processo che la pittura esclusivamente suoi. Questo è ciò che ha sempre fatto.

http://www.artistdaily.com/
http://www.alicavanaugh.com/

Cenni biografici
Ali Cavanaugh è nata a St. Louis nel 1973 e lavora da 15 anni come artista professionista . Le sue composizioni sono forti e intuitive, grazie non solo all’essere moglie e madre, ma anche alle mutazioni nella sua vita, come la perdita dell’udito che l’ha spinta ad adattarsi e ricreare il mondo intorno a lei.

Cavanaugh ha sviluppato un processo definito come “neo affresco secco”, dove si applica l’acquerello su pannelli in gesso; le sue figure sono spesso accentuate dai forti spazi bianchi in negativo. Affascinata dalla dicotomia delle cose visibili e invisibili nella condizione umana … corpo e anima …L’arte di Cavanaugh porta alla luce la complessità all’interno della contemplazione. I titoli poetici sono la sua firma e fanno parte di questo discorso coinvolgente.

Ad Ali Cavanaugh è stato assegnato il prestigioso Presidential Scholarship dalla Fondazione Wolcott David Kendall ,una borsa di studio al merito di quattro anni di lezioni. Questo le ha permesso di studiare pittura presso il Kendall College of Art and Design e nel 1994 è stata inserita in un Programma del New York Studio Residency a New York City (attraverso Parsons School of Design). Cavanaugh ha guadagnato un BFA con particolare attenzione alla pittura nel 1995. Nel 1996 ha co-fondato la Scuola Nuova Accademia di Belle Arti a Grand Rapids, Michigan. Ali Cavanaugh ha un vasto seguito di studenti e collezionisti ed è diventata uno degli insegnanti privati più quotati del West Michigan. Nel 2000,durante il suo trasferimento di lavoro a Santa Fe – Nuovo Messico, città famosa nel panorama artistico internazionale, ha sviluppato la sua particolare tecnica ad acquerello.

Cavanaugh ha avuto 40 mostre personali e collettive in gallerie d’arte in tutti gli Stati Uniti, è stata citata nelle più importanti pubblicazioni dedicate all’arte. Forse a causa dell’energia contagiosa del suo lavoro unita alla profonda riflessione,  i suoi collezionisti le sono particolarmente devoti. Il suo lavoro ha ricevuto riconoscimenti internazionali ed è presente in più di 400 collezioni private e aziendali negli Stati Uniti, Canada, Inghilterra, Germania, Portogallo, Svizzera, Singapore e Australia.
Ora vive nella zona di St. Louis con il marito e tre figli.

“La mia dipendenza dal mondo visivo è iniziata quando ho perso gran parte del mio udito a causa della meningite spinale a 2 anni di età. Questa perdita è stata una benedizione sotto mentite spoglie, perchè per comunicare  ho imparato a dipendere dal linguaggio del corpo e dalla lettura delle labbra. Quindi, dalla mia infanzia, sono diventata sensibile alle persone intorno a me e al linguaggio inespresso rivelato attraverso composizioni del corpo umano. Mi coinvolge ritrarre la figura umana nei suoi due aspetti: corpo e anima. L’immagine di una giovane figura femminile raggiunge una parte del mio passato che contiene una collezione infinita di idee e di immagini che mi ispirano. Mia figlia mi aiuta a creare il quadro visivo come punto di ingresso in quei ricordi.
Sono costantemente in uno stato di consapevolezza del mondo attraverso immagini, colori e modelli che al mio occhio sono composizioni di ambientazioni e persone. Questo mi tiene in uno stato d’animo che arricchisce la mia percezione di ogni singolo istante.”

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natura morta

Un colore può essere definito trasparente quando si può vedere attraverso di esso il colore che c’è sotto. Le caratteristiche di trasparenza e di opacità influenzano il modo di usare i colori. È importante comprendere che tentare di forzare un colore trasparente, cercando di renderlo opaco, ci porterà a risultati sicuramente deludenti.

I colori che si usano per gli acquerelli sono per definizione piuttosto trasparenti. La maggior parte dei colori acrilici sonosemitrasparenti (ad eccezione del bianco).

Anche molti dei pigmenti usati per la pittura ad olio sono trasparenti, altri sono semi opachi o abbastanza opachi. Una delle caratteristiche dei colori ad olio è che, grazie all’uso di olio o di resine come la Damar, la Mastice o il Liquin anche i colori semoopachi o quelli completamente opachi possono essere rese in qualche misura trasparenti.

Facciamo qualche esempio:

• il cremisi alizarina (lacca di Garanza), il blu oltremare, il blu di Prussia, la terra di Siena bruciata e il viridian sono molto trasparenti.
• il giallo di cadmio, il rosso di cadmio, il rosso indiano (simile alla  terra di Siena bruciata) sono opachi.
• il bianco di zinco è ritenuto del bianco di titanio.

Un esame della tabella dei colori di Winsor & Newton ci dà modo di scegliere due serie di colori per creare due tavolozze possibili, una composta da colori trasparenti e una da colori opachi.

opaco	trasparente
giallo trasparente	giallo cadmio
rosso brillante	rosso di cadmio
Cremisi alizarina	[nessun equivalente]
blu oltremare	blu cobalto scuro (semi-trasparente)
blu di prussia	Cerulean blu (semi opaco)
terra di siena bruciata	rosso indiano
bianco trasparente	bianco di titanio

Oltre a questi colori si dovrebbe includere anche una  tavolozza limitata di colori con un elevato grado di trasparenza, alcuni sono già presenti nell’elenco precedente ma li riporto insieme agli di seguito:

opaco	trasparente
giallo Winsor limone (un giallo verdastro)	giallo indiano (un giallo più arancio)
rosso brillante	cremisi alizarina
blu oltremare (un blu rossiccio)	blu di prussia (un blu verdastro)

Questa sorta di tavolozza limitata è discussa da Michael Wilcox nel libro”
BLUE AND YELLOW DON’T MAKE GREEN“. Conviene sostituire il blu di Prussia al Ceruleo. Il ceruleo contiene spesso bianco, che lo rende meno soddisfacente – più debole, meno saturo – sulla tavolozza ad olio e acrilico e totalmente insoddisfacente sulla tavolozza per acquerello.

Esercizio: Testare la trasparenza dei colori

Velature sul bianco e nero

Su un fondo grigio, create una serie di larghe striscie verticali che vadano digradando dal nero al bianco e lasciate asciugare bene, successivamente provate a stendere i colori della vostra tavolozza in righe orizzontali, di traverso sulle righe realizzate in precedenza e osservate come i colori si comportano rispetto alle strisce digradanti.

Questo esercizio renderà evidente come ciascun colore si comporterà con i colori su cui verrà steso.

Alcuni nasconderanno completamente i toni scuri sottostanti. Alcuni lo faranno solo parzialmente, altri risulteranno totalmente trasparenti.

velatura su colore

Facciamo un’altra prova, Facciamo una serie di strisce verticali con i colori della nostra tavolozza, lasciamoli asciugare. Successivamente creiamo delle fasce orizzontali, sui colori precedenti, degli stessi colori ma mescolati con un medium, un olietto, per renderli trasparenti, in questo modo potremo apprezzare in che modo i nostri colori si combinano per trasparenza e quante varietà di colore potremo ottenere dalla nostra tavolozza anche senza impastare i colori tra di loro.

L’uso dei colori trasparenti a velatura può aiutare a rendere le nostre tele più luminose e brillanti.

natura morta di tre quarti

Nel piccolo dipinto che vi presento, realizzato da Pam Coulter Blehert, intitolato ”natura morta di tre quarti” sono evidenti le velature usate per rendere luminosi i colori e trasparenti le ombre proprie dei frutti.

Questa lezione è stata liberamente tradotta dalle Free Art Lesson di Pam Coulter Blehert che è l’autore delle illustrazioni e del quadro inserito come esempio.

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colori

Mostra di pittura

Dal 26 novembre all’8 dicembre 2011 Locali Ex Liceo Artistico – Cagliari E’ il colore il protagonista delle opere di Cristina Becca, Anna Cozzolino, Mirella De Cortes, Gabriela Espa, Mariangela Giordano, Rasanna Xaxa e Cristina Zara esposte nei locali dell’ Ex Liceo Artistico di Cagliari in mostra dal 26 novembre all’8 dicembre.

Il colore che accompagna, caratterizza e dà forma a questa collettiva è quello dei toni lievi e soffusi degli acquerelli, quello forte e deciso del figurativo, un colore che diventa luce e trasparenza sul vetro, che si spezza e si sovrappone nelle composizioni di fiori, che attraversa il mistero dell’onirico in una pittura surrealista e termina la sua corsa nell’oro, nel mosaico e nell’arte sacra. Un viaggio nell’arte nella quale ogni artista si riconosce con un colore diverso, che, come dicono le artiste stesse, si svela nella luce, facendosi portatore di positività e sorrisi. Un messaggio di valenza terapeutica, una possibile cromoterapia curativa del corpo e dell’anima con un’inaspettata soluzione innovativa quando il colore si unisce ai versi di una delle artiste e si fa poesia.

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acquerelli di Ann Pember

Ann Pember è conosciuta per i suoi grandi acquerelli floreali. Nelle sue opere essa sa trovare un bilanciamento perfetto tra le trasparenze pulite che l’acquerello permette e una incredibile potenza di colori vibranti. Per ottenere questi splendidi risultati ha sviluppato una sfisticata tecnica basata sull’uso del metodo del bagnato sul bagnato.

ho trovato l’estratto filmato di uno dei suoi DVD nel quale si può apprezzare il suo metodo di lavoro.

se volete potete acquisare il DVD completo in cui si potranno seguire tutti i passaggi fino ad ottenere l’opera completa.

Credo utile fornirvi anche alcuni links utili al modello e ad alcuni documenti utili per eseguire l’esercizio proposto:

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ruota dei colori

La lezione che vi propongo ha a che vedere con una maniera di concepire la pittura fatta propria ed esaltata dai pittori impressionisti, anche se questi non detengono l’esclusiva di questa intuizione. L’intuizione di cui parlo è che nelle ombre di un oggetto colorato si può individuare il colore complementare del colore dell’oggetto in questione e che quando si dipinge conviene utilizzare questa caratteristica per ottenere una pittura molto più ariosa.

Ovviamente per fare questa esperienza bisogna lavorare con dei colori di qualche tipo, quindi se non ne avete (possibile?) ve li dovete procurare. Vanno bene colori ad olio, acrilici, acquerelli o anche matite colorate, tutto ciò che permetta di lavorare a colori.

Per cominciare bisogna impostare il disegno di qualche semplice natura morta con soggetti che abbiano alcuni colori piuttosto precisi, primari e secondari (frutta e verdura sonoottimi modelli, come pure banane, pomodori, peperoni, eccetera.

È bene impostare una buona illuminazione direzionale in modo da vedere alcune ombre forti. Ora, cercate di vedere se individuate il colore complementare nelle ombre e dipingetelo.

(Suggerimento:. Se nelle ombre non vedete che grigio, provate comunque a mettere un po’ di colore complementare nelle ombre della vostra pittura)

Mescolare giallo e viola crea un grigio neutro

Uso del colore complementare nella miscela dell'ombra: ombra creata col complementare

Rosso e verde vanno al grigio e, quando si usano il giusto rosso e il giusto verde, si può ottenere un nero

Si può notare che mescolando i colori complementari nel campo d'ombra, l'effetto funziona bene

Arancio e blu fanno grigio

Non potevo immaginare un frutto blu, così ho usato il disegno di una tazza blu

Questa pittura di una scatola vuota dimostra una applicazione di utilizzo dei complementari

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ruota dei colori

Nei miei corsi sto tenendo una serie di lezioni che riguardano la teoria del colore, le armonie e i contrappunti che si possono ottenere in una ruota dei colori ben organizzata. Per aiutarmi nelle spiegazioni ho trovato sul web una serie di ruote del colore che ho trovato molto utili, ve le offro volentieri.prima di tutto la versionepdf della ruota della prima immagine di questo articolo: ruota dei colori

Poi una ruota predisposta dall’acquerellista Quiller (è presa da una immagine dal web e ingrandita, abbiate pazienza)

Ruota dei colori di Quiller

Infine una interessante ruota con la posizione di tutti i pigmenti esistenti in pittura

posizione dei pigmenti

Per oggi basta, ho in preparazione una traduzione della ruota dei colori con il posizionamento dei pigmenti in cui i nomi siano quelli dei colori Maimeri o Ferrario, a presto!

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L’artista americano Marvin Franklin (1952 – 2007), era un oscuro lavoratore della metropolitana di New York, è morto ammazzato mentre svolgeva il suo lavoro, durante il turno di notte come aveva fatto per 22 anni, il 29 aprile 2007.

Le sue opere (disegni, stampe e dipinti) sono tutte dedicate al mondo sotterraneo della metropolitana di New York dove ha passato gran parte della sua vita sia come dipendente che come pendolare. La maggior parte delle opere raffigurano persone senza fissa dimora. L’artista era una volta egli stesso senza fissa dimora.

Marvin ha disegnato per anni con una penna a sfera nella metropolitana di New York, con un tratto libero e sciolto, scarabocchiava velocemente per poi magari rielaborare i suoi bozzetti a colori con guazzi o acquerelli bellissimi a metà strada tra realismo e di una espressività rinvigorita e originale.

Penso a lui spesso quando disegno a inchiostro, perché il mezzo che usava con un tale senso di familiarità ha nel suo stesso cuore una contraddizione: Il segno definitivo di una penna può rendervi liberi.

Alcuni consigliano di realizzare veloci bozzetti usando una penna Papermate (io preferisco le vecchie buone Bic cristal o punta fine) perché costringe a rallentare e riflettere prima di tracciare, oppure, al contrario di ignorare il fatto che i segni sono indelebili e tracciare linee ripassate liberamente. Disegno ad inchiostro forza la nostra mano in un modo o nell’altro.

Che cosa rappresenta una fa a penna a inchiostro per voi? Ne fate uso? Inviateci un commento. Nel frattempo, ecco alcuni disegni di Franklin per voi su cui riflettere.

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il premio in palio

Ho già parlato del blog www.disegnoepittura.it pubblicato dal nostro amico sasadangelo. Stamattina ho trovato un articolo che segnala una iniziativa molto stimolante. Un concorso a premi per la tecnica e l’opera più interessante.

Si tratta di proporre una propria opera pittorica e di spiegarne le fasi di lavorazione.

Gli articoli inviati avranno l’occasione di essere pubblicati sul blog disegno e pittura, uno dei più autorevoli e completi blog del settore. La tecnica/opera che sarà giudicata migliore verrà inoltre premiata con una piccola ma ottima scatola di acquerelli Winsor&Newton.
Un’ottima iniziativa, che vogliamo assolutamente segnalare invitandovi a partecipare perché è giustissima per promuovere la pratica e la conoscenza delle tecniche artistiche. Ho un po’ di rammarico perché non ci abbiamo pensato noi ma – onore al merito – vogliamo contribuire almeno supportando nel nostro piccolo l’iniziativa.
Se sasadangelo volesse intervenire o usare il nostro forum per ulteriori chiarimenti ovviamente sarà bene accetto e dato che è un frequentatore penso che risponderà volentieri alle vostre domande.

http://www.disegnoepittura.it/vari/prom … abili.html

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Tutto stava per sparire o trasformarsi. Alla fine dell’ottocento Roma avrebbe subito profonde trasformazioni urbanistiche, interi quartieri, sponde di fiumi e scorci avrebbero lasciato posto a nuove strutture, muraglie di contenimento del fiume, ponti. Ettore Roesler Franz lo sapeva e dalle sue opere emerge l’amore e la profonda conoscenza di quella che era la sua città. Il colore del tramonto sul Tevere, i riflessi e le luci, i muri screpolati, le case patrizie, i momenti di vita quotidiana, sono rappresentati con una maestria che trascende nell’arte. Padrone della tecnica, era anche un innovatore. Si serviva del kinegrafo( una delle prime macchine fotografiche) per documentare i particolari, segnava i colori ed i riflessi, creava modelli delle persone, e poi a studio completava le sue opere che erano dei veri e propri racconti. Alcuni acquerelli rivelano una tecnica moderna e veloce. Pochi accenni, larghe pennellate bagnato su bagnato, particolari sui primi piani e fondi sfumati. Insomma, un artista da copiare e studiare. Oltre alle altre sue opere, in maggioranza realizzate con la tecnica dell’acquerello, ha lasciato una serie di 120 acquerelli da lui definita “Roma Pittoresca, memorie di un’era che passa” che gli era stata commissionata dall’Amministrazione capitolina.  I suoi acquerelli di Roma Sparita dal 1952 sono stati collocati nella nuova sede del Museo di Roma a Palazzo Braschi. Nel 1980 ventotto acquerelli della raccolta sono stati trasferiti nel Museo di Roma in Trastevere, dove sono in mostra permanente 28 opere.

Diceva Roesler Franz:
“L’acquerello mi sembra il mezzo più acconcio per riprodurre con verità le vedute campestri e specialmente la trasparenza dei cieli e delle acque”.

Se volete saperne di più vi consiglio alcuni articoli interessanti
http://www.archimagazine.com/rroeslertittoni.htm
http://www.archimagazine.com/broesler.htm

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Guardatevi la sua dimostrazione dal vivo ed i suoi acquerelli. La cosa stupefacente è la padronanza del colore, e nello stesso tempo la capacità di lasciare che il colore agisca sul foglio, guidandolo sapientemente, facendolo colare, raccogliendolo e spruzzandolo. Il risultato è stupefacente. Con poche sovrapposizioni di colore, lavorando bagnato su bagnato con pennelli piatti, riesce a rappresentare i suoi soggetti e nello stesso tempo rende visibile il percorso dell’acqua sul foglio e il gesto del pennello, mantenendo un’ estrema pulizia e luminosità. Un maestro da imitare.

Biografia
Xavier Swolfs è nato a Brasschaat, nel 1942.
Dopo gli studi presso l’Accademia di Belle Arti di Anversa, ha iniziato ad esporre sue opere in Belgio e all’estero. Inoltre, i suoi acquerelli sono spesso stati pubblicati in i riviste e  libri d’arte.
Xavier è il co-fondatore del Belgio Watercolor Istituto e della Confederazione Europea delle Società di acquerello.

E ‘stato il coordinatore del Festival Internazionale di Acquerello ad Anversa nel 2001 e nel 2005. Andate a vedere il suo sito

Guardate come dipinge

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