Basset Hounda

Questo articolo di Mike Sibley, che vi propongo tradotto dal suo sito, spiega molto bene alcune questioni legate al cosiddetto approccio mediante disegno negativo. Questo approccio è di estrema utilità in moltissimi casi sia nel disegno che in tutte le forme di pittura. Quindi vi consiglio di leggere con attenzione e di cercare di esercitarvi sugli esercizi proposti.

Traduzione dell’articolo originale di Mike Sybley “Drawing Hair“, anche le immagini che accompagnano la spiegazione sono dell’autore dell’articolo originale che ringrazio per la disponibilità.

“Vedere per credere… ma non credere a tutto quello che si vede…” Questo è un motto conciso per dire che è facile disegnare capelli che appaiano realistici e credibili, basta sapere come fare a far apparire, con furbizie tecniche, molti più dettagli di quelli che effettivamente sono presenti.

Ci sono un certo numero di approcci con cui affrontare il disegno di pelame o dei capelli: si può, per esempio scegliere di concentrarsi sulla forma tridimensionale sottostante e poi sovrapporre all’ombreggiatura delle masse solide una trama che suggerisca la presenza della texture del pelame o dei capelli, oppure utilizzare la trama stessa e la sua risposta alle variazioni di luce per definire la forma sottostante. Entrambi gli approcci sono validi e portano ad ottimi risultati, ma la mia preferenza personale è per il secondo per il senso di somiglianza con la realtà che riesco ad ottenere.

bracco

A sinistra potete vedere un delizioso disegno di segugio realizzato da Karen Gillies.

Il chiaroscuro tonale viene usato per plasmare e definire la forma del corpo, in modo da concentrare l’attenzione dello spettatore sugli occhi.  L’artista ha assegnato a poca importanza al dettaglio del pelame.

L’uso di una ombreggiatura globale consiste nel trattare il soggetto come un singolo oggetto tridimensionale senza trama superficiale, applicando uno schema complessivo di valori tonali.  Nel dare priorità visual nel form sottostante, la presenza di capelli viene lasciata quasi interamente all’immaginazione spettatori.

basset hound

Qui a fianco potete vedere un mio disegno di Basset Hound, in esso è possibile vedere come la resa del pelame sia l’unico mezzo usato per esprimere la forma tridimensionale del corpo.  Nel disegno il bianco dell’occhio è stato conservato con cura per attirare l’attenzione in quella direzione.

Ho usato una ombreggiatura locale – rendendo la rifrazione della luce di ogni pelo o ciocca di peli, in modo che essa viene resa applicando i toni richiesti.  Non esiste ombreggiatura globale, ma ciascuna ombreggiatura locale viene regolata in riferimento alla sua posizione dentro l’intero soggetto.  In questo caso è stata data priorità all’aspetto esteriore, la forma tridimensionale è descritta solo dall’andamento del pelo, dalla sua consistenza ed evidenza superficiale.

Non tutto è bianco o nero
Se tutto ciò che appare “nero” fosse davvero nero e tutto il “bianco” fosse puro bianco non saremmo in grado di vedere nessun volume, vedremmo solo forme piatte, informi e con contorni taglienti. Ma non c’è nulla nella nostra esperienza di vita di così semplice – in realtà i riflessi e le variazioni di capacità di assorbimento della luce giocano una parte molto importante nella nostra percezione di ciò che vediamo. Sono le luci, i riflessi e le ombre del manto lucido di un Labrador nero che ci danno indicazioni circa che tipo di animale abbiamo davanti. La struttura sottostante non viene mai visto direttamente. La trame del pelame, solo questa percezione ci permette di definire forma tridimensionale sottostante. Lo stesso vale per un barboncino bianco tranne che l’enfasi è invertita – le ombre giocano una parte maggiore rispetto ai riflessi luminosi.

Un segno a matita non è un capello
Questo è un aspetto è fondamentale considerando il processo del disegno che non si sottolinea mai troppo o troppo spesso: le matite non possono disegnare i peli. I tratti di una matita possono al massimo definire la posizione e la forma dei peli.  Questa affermazione potrebbe apparire un po’ troppo semplicistica – in effetti ci saranno dei casi in cui dei capelli scuri passeranno sopra una massa di capelli bianchi e questo richiederà effettivamente dei tratti di matita in positivo.  E sicuramente le matite permettono di rendere i giusti valori tonali al pelame.  Ma in generale utilizzare una linea di matita non è utile per rappresentare un capello, molto più efficace è rappresentare il gioco di luci ed ombre che circonda e separa i peli, il confine tra i peli.

Positivi e negativi…
Disegno dei capelli ha a che vedere con l’uso del disegno positivo e negativo (vedi anche Il disegno negativo, le basi del disegno negativo 1, le basi del disegno negativo 2, il disegno negativo spontaneo) ciascuno di questi due aspetti va compreso in modo approfondito prima di essere combinato con l’altro senza che si creino difficoltà e senza sforzo si possano riprodurre pellicce e capelli con un senso della realtà.  Come indicato in precedenza, vediamo i peli neri a causa dei loro riflessi luminosi salienti mentre i peli e i capelli bianchi sono delineati dalle ombre.  In entrambi i casi i peli sono visibili a causa delle loro proprietà “negative”.  In pratica si disegnano non i capelli, ma le ombre o i riflessi che le o evidenziano.  Per i capelli neri, il risalto verrà dato da toni via via più scuri, a partire dai riflessi bianchi, fino ad arrivare ai toni più scuri ma non fino al nero, i toni più scuri disponibili devono essere riservati per le ombre positive che definiscono i contorni dei peli neri non per capelli stessi.  Questa è la chiave per disegno negativo; la tecnica che dovete imparare è quella di concentrare la vostra attenzione completa non sulle linee effettive si stanno disegnando ma sugli spazi presenti tra di esse.

In modo analogo alla pittura ad acquerello l’unico bianco disponibile disegnando a grafite su carta bianca e proprio il  bianco della carta.  Per produrre una linea bianca è pertanto necessario definire quella linea creandogli intorno un tono più scuro.  La linea che si sta disegnando non ha nessuna importanza in sé.  È lo spazio tra le righe che è di primaria importanza.

Queste sono linee nere su bianco o bianche su nero? Se queste sono linee nere disegnate su carta bianca, le linee tracciate sono segni positivi.

Queste sono linee bianco su nero? Sembra essere così solo perché il nero definisce i loro confini. Il nero è disegnato esclusivamente per creare il bianco. Questo è il disegno negativo.

Il fogliame è un esempio di disegno positivo. I tratti a matita forniscono i toni in risalto

Un esempio di disegno negativo - le linee a matita servono solo a definire i peli bianchi da far risaltare

Una combinazione dei due metodi: l'ombra portata in positivo è esteso in su per definire il contorno frastagliato dei peli del ciuffo superiore e in giù per definire l'emergere dei peli del ciuffo inferiore definendoli in negativo.

Come Si ottiene questo risultato?

Border Collie

Ove possibile, io inizio il lavoro partendo dalle zone scure e andando verso quelle in luce.  Da un punto di vista puramente pratico è molto più facile di innestare il disegno sviluppandolo a partire dalle aree di tono scuro.  Questo mi permette di usarlo come una cerniera – per sviluppare i toni in una direzione per poi tornare alla cesura e proseguire nella direzione opposta.  Useremo l’orecchio in alto a destra nella illustrazione a fianco, corrispondente all’orecchio sinistro di questa bella Border Collie, per fare una dimostrazione di questa maniera di procedere.  Lavorerei quest’area in quattro fasi distinte….

Prima fase:

ombra di confine

Dopo aver trovato una zona scura di confine da cui partire per lavorare, definisco in modo approssimativo il contorno del pelame superiore in negativo lasciando in bianco i riflessi chiari dei peli superiori. ricordate che sto definendo in negativo solo le ombre tra i peli della massa superiore che lascerò in bianco fino alla fase successiva

Seconda fase:
Lavorando dallo scuro verso la luce, definisco i toni del lembo dell’orecchio creando con il disegno negativo le ombre tra i peli e non i peli stessi.

Una volta che i peli sono definiti applicherò i toni adeguati per dare loro il corretto tono che li plasmi tridimensionalmente. L’illuminazione verrà continuamente regolata per raggiungere la forma tridimensionale richiesta.

Terza fase:
Si passa a definire la parte scura al disotto del bordo dell’orecchio estendendo l’ombreggiatura, sempre con una attenzione alle ombre tra i peli, se necessario, usando gomma pane modellata a lametta si possono tracciare nella zona scura piena peli più chiari.

Quarta fase:
Le alte luci definite in negativo verranno richiuse riunendo le linee di confine che le definiscono e formando il bordo frastagliato del pelame del collo. Queste linee si riuniranno in una massa che definirà in modo positivo la punta di ogni pelo e ciocca.

Conclusione:
Gestire una piccola area del disegno per volta renderà il lavoro più facile sia mentalmente che fisicamente, basterà avere sempre in mente il progetto complessivo per mantenere saldamente nel controllo.  Contrariamente alla prima procedura indicata nel disegno del segugio, non bisogna cadere nella tentazione di di lavorare su tutto il disegno in una sola volta, né si dovrebbe tentate di riempire intere aree con toni di modellazione delle masse complessive. Certo procedendo nel modo classico (per masse) il disegno avrebbe un aspetto più completo molto più rapidamente e si potrebbe sentire che sta aiutando a stabilire la forma ma attenzione – i riflessi più splendenti potrebbero risultare compromessi e successivamente potrebbero non essere più realizzabili, causando una perdita definitiva della vita e della profondità tonale.  Bisognerà riflettere e decidere sulla direzione della luce, prendere in considerazione la posizione di ogni capello è definire e quindi applicare l’illuminazione di conseguenza.  Definire i vostri capelli e poi calcolare e aggiungere il valore tonale locale specifico darà al vostro disegno un estremo senso di realtà.

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Nicola Samorì

I lavori di Nicola Samorì spesso si riferiscono alla pittura italiana del XVII secolo, anche nella tecnica pittorica che l’autore utilizza. Quindi nature morte, ritrattidipinti devozionali realizzati con una enorme competenza tecnica, strato su strato su rame, legno e tela. La sua scelta poetica però non è certo quella del ricalco delle orme dei maestri del periodo storico di riferimento.

Nel suo immaginario Samorì parte dalla realizzazione di un dipinto “finito” ma a un certo punto come se una impazienza iconoclasta lo travolgesse, il pittore, nella materia stessa della pittura, inizia una distruzione sistematica, con interventi a spatola, diluente o addirittura a mani nude la pittura fresca viene aggredita, spellata, strappata.

La fisicità e il corpo sono molto importanti per i dipinti di Samorì e il processo di scuoiatura sottolinea questa importanza.

Nel “corpo del lavoro” di Samorì procede con un’abbondanza di riferimenti storico artistici che stridono, contrastano con le masse di vernice distrutta focalizzando l’attenzione sulla materialità e artificiosità dell’immagine.
Samorì nega per questa via la classicità della pittura per porre questioni impellenti sulla pittura stessa.

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un ritratto di Lu Cong

Lu Cong è nato a Shanghai, nel mese di febbraio 1978. È emigrato negli Stati Uniti nel 1989 all’età di 11 anni. Dopo essersi laureato presso la University of Iowa, con una laurea in biologia e arte nel 2000, Lu ha scelto di perseguire l’arte del ritratto piuttosto che la medicina.

I suoi primi lavori erano tele grandi che cercavano il sensazionale, dipinti in modo melodrammatico, con esagerato pathos, la sua intuizione acuta e sensibilità verso i suoi soggetti erano comunque già evidenti.

Tra il 2003 e il 2007, Lu è stato riconosciuto da una serie di pubblicazioni d’arte come artista emergente di notevole interesse.

Da allora, Lu ha sviluppato un aspetto distintivo è che molti considerato come un approccio originale al realismo figurativo. I suoi ritratti non si limitano a catturare la somiglianza fisica o emotiva del soggetto, anzi invitano a stabilire con esso un autentico impegno – interazione simile a quello  che ne consegue quando uno si trova faccia a faccia con il sensuale, l’inspiegabile, e l’inquietante.

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illustrazione libro

SPAZIO P

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colori

Mostra di pittura

Dal 26 novembre all’8 dicembre 2011 Locali Ex Liceo Artistico – Cagliari E’ il colore il protagonista delle opere di Cristina Becca, Anna Cozzolino, Mirella De Cortes, Gabriela Espa, Mariangela Giordano, Rasanna Xaxa e Cristina Zara esposte nei locali dell’ Ex Liceo Artistico di Cagliari in mostra dal 26 novembre all’8 dicembre.

Il colore che accompagna, caratterizza e dà forma a questa collettiva è quello dei toni lievi e soffusi degli acquerelli, quello forte e deciso del figurativo, un colore che diventa luce e trasparenza sul vetro, che si spezza e si sovrappone nelle composizioni di fiori, che attraversa il mistero dell’onirico in una pittura surrealista e termina la sua corsa nell’oro, nel mosaico e nell’arte sacra. Un viaggio nell’arte nella quale ogni artista si riconosce con un colore diverso, che, come dicono le artiste stesse, si svela nella luce, facendosi portatore di positività e sorrisi. Un messaggio di valenza terapeutica, una possibile cromoterapia curativa del corpo e dell’anima con un’inaspettata soluzione innovativa quando il colore si unisce ai versi di una delle artiste e si fa poesia.

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donna al sole

Seguo da diverso tempo la newsletter gratuita offerte da Virtual Art Academy, questo mese mi è arrivato l’articolo che vi traduco perché credo che tratti di un argomento molto importante.

Più a lungo l’occhio insiste e circola per una immagine, maggiore è l’interesse che l’immagine genera. una particolare attenzione quindi dovrebbe essere posta nello studiare il modo perché l’occhio di chi guarda venga guidato su percorsi che avremo preparato studiando la composizione e che l’attenzione rimanga catturata e trovi difficile abbandonare l’opera.

Per questo è necessario studiare in modo attento il percorso su cui indirizzare lo sguardo dello spettatore.

Una soluzione quella di creare abbastanza spazio intorno alle forme principali in modo che l’occhio possa muoversi agevolmente tra i vari elementi e nel disporre le forme in modo che guidino l’occhio le une verso le altre.

Una buona strategia per correlare gli elementi di un dipinto è quella di comporli in modo che essi si incurvino verso il centro

in questo esempio gli elementi b, c e d sono correlati tra di loro

In questo esempio invece sembra che gli elementi b, c e d siano isolati e disconnessi tra di loro

Le linee che vanno verso il bordo del quadro sono tante vie di fuga per l’occhio che le segue finendo al di fuori della immagine, una buona strategia è quella di mettere degli elementi di interesse secondario a bloccare le linee della composizione che vanno verso l’esterno. È inoltre possibile aggiungere altre linee che portino l’occhio nuovamente verso l’interno dell’immagine.

uso dei punti di interesse secondario per intercettare le traiettorie di fuga dello sguardo

in questa immagine le linee spingono l'occhio a sfuggire in molte direzioni e non c'è nulla che lo impedisca

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goblin

Mi sono liberato di una serie di impegni e finalmente posso tornare a occuparmi del progetto della illustrazione del Goblin musicista. Avevo appena accennato in uno schizzo l’idea di un lettering per la scritta e avevo anche appuntato l’idea che il marchio contenesse in qualche modo anche il disegno del nostro Goblin. Ho raggiunto per ora questi risultati, anche se mi ripropongo di continuare lo studio (non ho problema a mostrare le mie idee liberamente per il web dato che ho provveduto a registrare sotto copyright tutto il materiale che pubblico creando una copia che attesta l’anteriorità dei miei lavori – questo è un argomento molto importante e credo che ne parlerò in un prossimo articolo).

Di seguito il marchio con l’illustrazione inserita. L’inserimento mi sembra problematico, perché alle piccole dimensioni non si leggerebbe l’illustrazione, forse studierò altre soluzioni.

ho cominciato anche a studiare alcuni elementi del personaggio, per i piedi avevo pensato a delle mani prensili, come quelle della scimmia, poi mi è venuta l’idea delle dita squamose e mi ritrovo queste zampe da gallina, bisogna che faccia qualche altro studio.

Uno dei compiti più importanti da portare avanti quandi si studia questo tipo di illustrazioni è quello della continua critica costruttiva, mentre non avrebbe senso criticare la qualità dei disegni in questa fase, cercare di abbozzare più idee possibile e cercare di unire i concetti o di accantonare quelli che al momento sembrano meno attinenti è un comportamento che porta ad affinare e sviluppare il processo creativo.

il prossimo oggetto che studierò è il buzuki, lo strumento musicale.

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ruote op art

Queste Illusioni Ottiche sono state create da uno scienziato giapponese, lo psichiatra Akioshi Kitaoka.

Sono illustrazioni psichedeliche che sono state elaborate dagli artisti della op art (optical art), la loro particolarità sta nel fatto che, pur essendo immagini fisse l’occhio e il cervello umano le interpretano come se fossero forme in movimento.

Lo scienziato giapponese ha sperimentato che se una persona si trova in uno stato di equilibrio e calma mentale le immagini sembreranno quasi ferme, mentre una persona che vede le immagini in forte movimento ha necessità di fermarsi per una pausa di relax per cercare di recuperare la propria calma ed equilibrio interiore.

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testa con griglia da disegno

Spesso girando per i vari siti e forum che si occupano di pittura e disegno o parlando con amici pittori incontro l’uso delle griglie come coadiuvanti per il corretto disegno delle proporzioni, personalmente non uso di abitudine questo strumento, ci sono metodi piuttosto efficaci per disegnare rispettando le proporzioni, sono insegnati nel mio come in molti altri corsi e credo che apprenderli sia molto produttivo. Disegnare dal vero senza … rete (o griglie) affina percezione e istinto e a un certo punto ci si accorge che non si riesce più a sbagliare oppure che si è sviluppato un proprio modo di stilizzare o anche di interpretare le proporzioni in modo personale che a volte diventano la “cifra pittorica” di un determinato disegnatore o pittore.

Ho già parlato dell’argomento in questo articolo.

A costo di sembrare pedante ripeto che nulla può sostituire l’esperienza che si guadagna grazie all’esercizio del disegno a mano libera che si fa realizzando studi sul soggetto dal vero (o almeno da una foto).
Resta il fatto che l’uso della griglia è diffuso da sempre, molto utilizzato e spesso comodo, io ad esempio lo uso per riportare sulla tela le linee generali desunte da un bozzetto o da uno studio. Vorrei sottolineare che niente può sostituire gli studi preliminari fatti a mano libera fatti sul soggetto quindi continuo ad invitare tutti a non pensare che prendere la via comoda, riportando direttamente l’immagine dalla griglia (o proiettando con un episcopio o un videoproiettore o ricalcando da un video usando carta da ingegnere o acetato) sia una strategia produttiva.
Girando per il web ho trovato  sito interessante che oltre a  una serie di strumenti per il controllo delle proporzioni offre un programmino piuttosto efficiente e gratuito per “grigliare” i propri modelli in modo comodo, semplice e intuitivo. Una volta inserita la griglia sulla immagine caricata, basta salvare il risultato con un nuovo nome e usarla direttamente a schermo o stamparla. Potete scaricare il programma dal sito che vi ho indicato o direttamente da questo link

Chi volesse avere le griglie da stampare direttamente su un foglio di acetato da sovrapporre alla foto stampata o attraverso cui guardare il modello tridimensionale può scaricare il pdf da questo link: griglie PDF

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Progetto quadro suor Nicoli

Sono stato invitato a dipingere un quadro dedicato alla opera di Suor Giuseppina Nicoli durante la festa che si svolgerà dal 13 al 16 ottobre, nel quartiere della Marina a Cagliari. La festa popolare è dedicata alla memoria della suora e alla sua recente beaatificazione. Nota come la Suora de “Is piccioccus de crobi ” è amata in tutta la Sardegna per le tante opere educative – ancora oggi presenti.
Nei locali dedicati alla mostra illustrativa dell’opera di Suor Nicoli nella società del suo tempo mi troverete a dipingere una tavola di un metro per un metro e cinquanta dedicato alla suora ed ai suoi piccioccus, da giovedì 13 dalle 17.00 alle 19.00 e nei giorni successivi, fino a domenica 16 ottobre negli orari 9.30-12.00 e 17.00-19.00 presso il salone-teatro dell’Asilo Marina e Stampace in via Baylle 76
L’opera sarà in questo periodo messa all’asta e la metà del ricavato verrà devoluta in beneficenza.
Vi invito a venire a trovarmi e a darmi una mano a diffondere la notizia.

Nel seguito dell’articolo documenterò il lavoro passo passo:

Prime due ore di lavoro, bozza realizzata a terra d’ombra e bianco, acrilico su tavola di multistrato preparata con turapori acrilico

ho deciso di usare questa gamma per i colori del quadro

in una mattinato ho cominciato ad accennare i colori e a precisare le masse, non mi preoccupo dei particolari

un altro passaggio, 3 ore di lavoro

Domenica sera, ho finito per cause di forza maggiore: la manifestazione è finita e il quadro è andato all’asta, meno male perché se me la lasciavano ci avrei perso almeno un’altra settimana …

non sono riuscito a fare tutto quel che volevo, ma mi accontento così

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