mostra in via Sardegna

Durante questi giorni intorno a Ferragosto, grazie all’invito del comitato Cagliari Centro Storico – Centro Commerciale Naturale, abbiamo avuto l’opportunità di organizzare, insieme a qualche amico artigiano una mostra di arte e artigianato artistico di qualità in via Sardegna a Cagliari. Eravamo nel pieno della movida serale e siamo rimasti molto contenti del risultato. Abbiamo deciso di ripetere l’iniziativa per tutto il mese di settembre e di ospitare altri artisti e artigiani di qualità. Per contattare gli organizzatori richiedete l’iscrizione a questo newsgroup.

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L’arte è magia liberata dalla menzogna di essere verità.
Theodor Adorno, Minima moralia, 1951

Il compito attuale dell’arte è di introdurre caos nell’ordine.
Theodor Adorno, Minima moralia, 1951

Chi dice arte dice menzogna.
Honoré de Balzac, La pelle di zigrino, 1831

Uno dei compiti principali dell’arte è sempre stato quello di creare esigenze che al momento non è in grado di soddisfare.
Walter Benjamin, L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica, 1936

Chi dice che l’arte non deve propagandare dottrine si riferisce di solito a dottrine contrarie alle sue.
Jorge Luis Borges

Se il mondo fosse chiaro, l’arte non esisterebbe.
Albert Camus, Il mito di Sisifo, 1942

Alla domanda: − Che cos’è l’arte? − Si potrebbe rispondere celiando (ma non sarebbe una celia sciocca): che l’arte è ciò che tutti sanno che cosa sia.
Benedetto Croce, Breviario di estetica, 1912

Un’aspirazione chiusa nel giro di una rappresentazione, ecco l’arte.
Benedetto Croce, Breviario di estetica, 1912

L’arte non imita, interpreta.
Carlo Dossi, Note azzurre, 1870/1907 (postumo 1912/64)

Ama l’arte; fra tutte le menzogne è ancora quella che mente di meno.
Gustave Flaubert

Farci sentire piccoli nel modo giusto è una funzione dell’arte; gli uomini possono farci sentire piccoli solo nel modo sbagliato.
Edward Morgan Forster, Two Cheers for Democracy, 1951

In arte soltanto l’ottimo è buono abbastanza.
Johann Wolfgang Goethe, Viaggio in Italia, 1817

Non c’è via più sicura per evadere dal mondo, che l’arte; ma non c’è legame più sicuro con esso che l’arte.
Johann Wolfgang Goethe, Massime e riflessioni, 1833 (postumo)

Arte è ciò che il mondo diventerà, non ciò che il mondo è.
Karl Kraus, Pro domo et mundo, 1912

L’arte non è uno specchio per riflettere il mondo, ma un martello per forgiarlo.
Vladimir Majakovskij, su The guardian, 1974

Alla domanda: “Che cosa è l’arte?” siamo portati a rispondere: “Ciò attraverso cui le forme diventano stile”.
André Malraux, Le voci del silenzio, 1951

L’arte è un antidestino.
André Malraux, Le voci del silenzio, 1951

L’arte non insegna niente, tranne il senso della vita.
Henry Miller, The Wisdom of the Heart, 1941

L’arte è la menzogna che ci permette di conoscere la verità.
Pablo Picasso

L’esperienza artistica è così incredibilmente prossima a quella sessuale, alle sue pene e ai suoi piaceri, che i due fenomeni non sono in realtà che forme diverse di una identica brama e beatitudine.
Rainer Maria Rilke, Lettere a un giovane poeta, 1903/08

Adesso posso dire che l’arte è una sciocchezza.
Arthur Rimbaud, Una stagione all’inferno, 1873

Si può dire dell’arte quel che il cinico Antistene diceva del concetto: “è ciò che esprime l’essenza durevole delle cose”.
Ardengo Soffici, Giornale di bordo, 1915

Arte. Un modo per entrare in contatto con la propria follia.
Susan Sontag, Diario, 1958/67

L’interpretazione è la vendetta dell’intelligenza sull’arte.
Susan Sontag, Contro l’interpretazione, 1966

In arte l’unica regola è che non ci sono regole. Ma anche questa è spesso trasgredita.
Giovanni Soriano, Maldetti. Pensieri in soluzione acida, 2007

L’arte è il luogo della perfetta libertà.
André Suarès, Poète tragique, 1921

Ci sono due modi di non amare l’arte. Uno è di non amarla. L’altro di amarla razionalmente.
Oscar Wilde, Il critico come artista, 1889

Non v’è Arte là dove non v’è stile.
Oscar Wilde, Il critico come artista, 1889

L’arte non deve mai tentare di farsi popolare. Il pubblico deve cercare di diventare artistico.
Oscar Wilde, L’anima dell’uomo sotto il socialismo, 1891

L’arte rispecchia lo spettatore, non la vita.
Oscar Wilde, Il ritratto di Dorian Gray, 1891

Rivelare l’arte e nascondere l’artista è il fine dell’arte.
Oscar Wilde, Il ritratto di Dorian Gray, 1891

Tutta l’arte è completamente inutile.
Oscar Wilde, Il ritratto di Dorian Gray, 1891

In arte è difficile dire qualcosa che sia altrettanto buono del non dire niente.
Ludwig Wittgenstein

Questo testo è tratto dal sito: http://www.aforismario.it/aforismi-arte.htm

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Abbiamo volutamente fatto partire l’iniziativa in sordina per ambientarci e sperimentare l’iniziativa piano piano.

Possiamo dire di essere soddisfatti, pur con un minimo passa parola e malgrado il tempo non incoraggiasse una passeggiata, sono venuti a trovarci diversi amici e abbiamo riscosso l’interesse dei passanti, in breve si è ricreata l’atmosfera di salotto artistico che tanto ci era piaciuta in Piazza San Sepolcro nell’estate del 2009.

Già da questa prima uscita comunque abbiamo riscosso l’interesse di diversi pittori Cagliaritani che si sono prenotati per il prossimo evento che si svolgerà il 12 dicembre.

I prossimo eventi prevedono alcune vere e proprie lezioni di disegno e pittura in piazza, vernissage e incontri musicali.

Chi vuole partecipare alle prossime manifestazioni può contattarci attraverso questo modulo

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LEONARDO IL MANCINO
Si può dire molto sugli artisti, esaminando i loro manufatti. Alcuni anni fa, mi sono preso il tempo di verificare alcuni dei disegni di Leonardo da Vinci. Mi sono trovato in soggezione  a vedere le sue ombreggiature, ottenute per lo più con tratti tracciati con la stessa angolazione.

Copia del disegno di un vecchio (compresi i segni e le macchie dell'età sulla carta).

Le linee di ombreggiatura di Leonardo sembrano essere tracciate da sinistra in alto verso il basso a destra, e dal basso a destra verso l'alto a sinistra.

Per rendere lo studio di uno dei disegni di Leonardo penna e inchiostro, è statoa usata una matita di grafite.

Glossario artistico
La linea retta fornisce il collegamento più breve tra due punti qualsiasi. Le linee rette possono essere tracciate in qualsiasi direzione.

Tratteggio è una tecnica di ombreggiatura (resa popolare durante il Rinascimento), che consiste in una serie di linee, accostate strettamente tra loro in modo da dare l’illusione di gamme di valori tonali.

Precisazione:
Alcuni esperti sostengono che Leonardo da Vinci fosse mancino a causa del modo in cui tracciava le linee rette (con un angolo da sinistra in alto a in basso a destra). Questo tipo di movimento è quello naturale di molti artisti mancini.
Artisti destri (come me) spesso tracciano le linee da destra in alto a sinistra in basso.

Citazione:

L’artista dovrebbe prima esercitarsi copiando da disegni a mano libera di un buon maestro.
(Leonardo da Vinci)

Una pagina di taccuino pieno di gruppi di linee rette oblique che vanno in molte direzioni. Il mio gesto naturale ha creato l'insieme di linee in alto a sinistra. Serie di linee di questo tipo sono chiamati tratteggi.

Trova il movimento naturale della tua mano

Ho ruotato il disegno sottosopra, in modo da poter imitare lo stile di tratteggio di Leonardo che tracciava le linee con la mano sinistra.

Il movimento naturale della tua mano non può essere lo stesso di quella di Leonardo o della mia.
Per scoprire quale sia il tuo segno naturale, prova a creare gruppi di tratteggi, tracciando blocchi di linee parallele  in tante direzioni oblique sui fogli che hai davanti. Presta attenzione a come tracci queste linee. Fai molti tentativi sperimentando vari modi di spostare la matita ler tracciare le linee parallele oppure per variare la pendenza delle linee. Scoprirai che in certi casi sarai a tuo agio ed in altri ti sentirai scomodo.
Ci sarà un movimento che ti farà sentire perfettamente comodo e naturale. Quello è il movimento che asseconda meglio il gesto naturale della vostra mano ed è  il tratteggio che si dovrebbe cercare di usare a proprio vantaggio il più possibile.

Bene, mettete la data e la firma sui fogli su cui avete fatto questo esercizio e  piazzate un bel sorriso soddisfatto sul vostro viso!

Questi articoli sono una libera traduzione delle lezioni di Brenda Hoddinott, pubblicate sul sito www.drawspace.com, pubblico la traduzione e le immagini originali della lezione, rispettando la licenza creative commons sotto cui sono pubblicati gli articoli originali.

Parlate di questo e di altri argomenti sul disegno e la pittura sull nostro forum. Troverete una comunità di amici pronti a sostenervi ed aiutarvi

Trovare il tuo movimento naturale MANO Si movimento della mano naturale non può essere lo stesso o di Leonardo o la mia. Prova la tua mano a gruppi di disegni di linee rette oblique nel tuo album da disegno. Prestare attenzione a come rendere queste linee. Usa molti modi diversi di spostare la matita o la modifica della pendenza delle linee. Alcuni stare tranquillo e gli altri si sentiranno scomodo. Tuttavia, ci sarà un movimento che si sente il più comodo. Questo è il vostro movimento della mano naturale, e si dovrebbe cercare di usarlo a tuo vantaggio, se possibile. ROTAZIONE la carta mentre si disegna Gli artisti di professione sono molti modi segreti per assicurarsi che i loro disegni a buon fine. Oltre a utilizzare il loro movimento naturale della mano, spesso ruotano i loro carta. Si dovrebbe ruotare la vostra carta da disegno mentre si lavora per sfruttare al meglio il vostro movimento della mano naturale. Ricordare sempre di ruotare la carta prende un sacco di pratica. Ma, prima che tu lo sai, tu sei la tua carta di rotazione per tutto il tempo senza nemmeno pensarci. Lascia il tuo nome, scrivere la data odierna sul retro della pagina di taccuino, e mettere un sorriso sul tuo viso!
Traduci da: Inglese Italiano Spagnolo — Rileva lingua — Afrikaans Albanese Arabo Armeno ALPHA Azero ALPHA Basco ALPHA Bielorusso Bulgaro Catalano Ceco Cinese Coreano Creolo haitiano ALPHA Croato Danese Ebraico Estone Filippino Finlandese Francese Galiziano Gallese Georgiano ALPHA Giapponese Greco Hindi Indonesiano Inglese Irlandese Islandese Italiano Lettone Lituano Macedone Malese Maltese Norvegese (Bokmål) Olandese Persiano Polacco Portoghese Rumeno Russo Serbo Slovacco Sloveno Spagnolo Svedese Swahili Tailandese Tedesco Turco Ucraino Ungherese Urdu ALPHA Vietnamita Yiddish Traduci verso: Italiano Francese Inglese — Afrikaans Albanese Arabo Armeno ALPHA Azero ALPHA Basco ALPHA Bielorusso Bulgaro Catalano Ceco Cinese (semplificato) Cinese (tradizionale) Coreano Creolo haitiano ALPHA Croato Danese Ebraico Estone Filippino Finlandese Francese Galiziano Gallese Georgiano ALPHA Giapponese Greco Hindi Indonesiano Inglese Irlandese Islandese Italiano Lettone Lituano Macedone Malese Maltese Norvegese (Bokmål) Olandese Persiano Polacco Portoghese Rumeno Russo Serbo Slovacco Sloveno Spagnolo Svedese Swahili Tailandese Tedesco Turco Ucraino Ungherese Urdu ALPHA Vietnamita Yiddish		Suggerisci una traduzione migliore

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• 8 trucchi per disegnare in prospettiva
• 6 trucchi per sfumare le ombreggiature
• Il disegno della figura umana secondo A. Loomis (4)

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Mi sembra molto utile creare alcune pagine che raccoglieranno nel tempo tutte i libri segnalati e criticati da coloro che li hanno letti

I PRINCIPI FONDAMENTALI DEL DISEGNO ARTISTICO - e’ completo nella tecnica e in piu’ ci sono degli esercizi da seguire anche con i colori a matita,pastello…ecc.

Il nuovo disegnare con la parte destra del cervello – è un libro fondamentale, io lo uso come riferimento costante dei miei corsi di disegno. Lo consiglio caldamente a tutti, anche a quelli che già sanno disegnare molto bene. Di solito chi disegna lo fa senza sapere cosa fa, quali sono le risorse personali che mette in ballo e quali altre risorse portrebbe coinvolgere, Il pregio del libro è che rende esplicito il processo del disegno e suggerisce sistemi per migliorare il proprio approccio a questa disciplina. Secondo la mia esperienza comunque per un principiante, il solo libro non basta, il disegno è come lo yoga: ci vuole una guida o tutto è veramente molto difficile.

Altro da grafite

• Modelli da usare nei primi esercizi di disegno
• Guida per il disegno delle espressioni umane
• Modelli per esercizi sul ritratto

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Una tecnica liberatoria, nella quale si alternano casualità e precisione. Il primo segno diventa la mia guida e non lo cancello. Anzi, lo accentuo e sottolineo. La bocca troppo grande, gli occhi che escono dal viso e si sovrappongono al naso, il corpo sproporzionato. A tutto ciò dò forma con un chiaroscuro pignolo e con  il colore che non è un vero colore. Serve solo ad evidenziare la carnalità o ad accentuare uno stato d’animo. A prescindere dal giudizio artistico, voglio condividere l’aspetto liberatorio di questa tecnica che riesce a soddisfare il mio desiderio pedante di precisione con l’immediatezza di un segno istintivo. Il risultato mi piace. Ho fatto lo stesso tipo di prova anche utilizzando la penna tratto, acquerellabile e gli acquerelli.In questo caso anche l’acquerello viene usato con una tecnica veloce di sovrapposizione di colore in trasparenza. Il segno e gli incroci creati casualmente vengono evidenziati dal colore. Trovo queste illustrazioni molto più espressive di altre che ho realizzato, che magari erano tecnicamente perfette ma senz’anima. Provare per credere.

Autoritratto

un Maestro della satira politica.
Se volete diventare dei bravi caricaturisti dovete necessariamente confrontarvi con i maestri del settore. Tra questi brilla David Levine. Scomparso recentemente ad 83 anni, per mezzo secolo  è stato il re incontrastato della satira politica americana. Le sue caricature dissacranti hanno saputo mostrare il lato più nascosto del carattere dei potenti. In pochi tratti a penna coglieva le piccole miserie o le grandezze dei suoi contemporanei, intervenendo con puntuale ironia nelle scelte politiche, sociali e culturali del suo paese.  In un’intervista del 2008, durante una mostra dei suoi lavori sui presidenti americani, ha detto: «La satira politica ha salvato l’America impedendole di andare all’inferno»
Hanno detto di lui:

- Jules Feiffer (collega e amico) «Il suo lavoro non era solo ironico o mordente, ma anche pienamente informato e artistico in senso pittorico e letterario»

- New York Times (necrologio pubblicato online) «Qualità che hanno indotto molti a paragonarlo ai grandi maestri dell’illustrazione del diciannovesimo secolo come Honorè Daumier e Thomas Nast».

- Tullio Pericoli (illustratore e caricaturista italiano) «L’ho guardato e l’ho studiato molto, è stato un maestro del segno. Gli ho anche rubato qualcosa. Ricordo che una volta gli chiesi perché non facesse ritratti a colori – anche se in realtà ne ha poi fatti alcuni – e mi rispose: questi sono già a colori. Aveva ragione, naturalmente. Sapeva scavare in modo ineguagliabile col puro segno della penna, trovando anche i colori nascosti, un po’ come accade nelle incisioni di Rembrandt. Si rifaceva alla classica caricatura ottocentesca, col volto grande e il corpo piccolo. La novità era rappresentata dalla ragnatela di segni con cui riusciva e rendere il carattere, lo spirito.
La vera indagine avveniva sul volto, anche se qualche volta nelle sue caricatue comparivano oggetti relativi all’attività del personaggio. Riusciva a scavare magari nell’angolo di un bocca, o in una narice, con una penetrazione senza pari. Non è stato un grande innovatore: è stato un grande artista».

Di seguito troverete una serie di caricature alle quali ho voluto affiancare le foto dei suoi modelli. Il raffronto permette di cogliere la capacità di sintesi e creativa di questo Maestro. Gran parte della sua produzione vignettistica (più di 2500 disegni) è stata inoltre pubblicata nel sito  del New York Review of books. http://www.nybooks.com/galleries/david-levine-illustrator/2006/

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• Come disegnare il ritratto di un profilo umano
• Come fare ritratti con Illustrator simulando l’uso di pennarelli e acquerelli
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… È necessario possedere molto di più che la mera abilità tecnica per produrre un buon disegno …

Quasi tutti gli artisti di successo posseggono un particolare interesse, passione o inclinazione verso certi aspetti del mondo. Spesso si tratta di una sorta di fascinazione che essi subiscono in qualche fase della loro vita.

Harold von Schmidt, per esempio, ama la vita all’aperto, la vita rurale, i cavalli, i pionieri, il dramma e l’azione. Il suo lavoro trasmette la passione che lo possiede. Harry Anderson ama le persone comuni che popolano l’America, – Il vecchio dottore di famiglia, i piccoli cottage bianchi. Norman Rockwell, un grande ritrattista di caratteri, ama le mani segnate da una vita di duro lavoro, scarpe che hanno visto tempi migliori, la sua attitudine compassionevole e tenera verso l’umanità, potenziata dalla sua meravigliosa abilità tecnica, gli ha fruttato un posto di tutto rispetto nel mondo artistico. Jon Witcomb e Al Parker hanno meritato la loro fama per la loro capacità di ritrarre puntualmente i giovani americani. I fratelli Clark hanno una predilezione per il disegno di scene legate al Vecchio West e ai giorni della frontiera, per questo hanno ottenuto un grande successo. Maude Fangel amava i bambini e li ha rappresentati in maniera meravigliosa. Nessuno tra coloro che ho citato avrebbe raggiunto l’apice senza la propria spinta interna. Ma nessuno di loro sarebbe potuto arrivare se non fosse stato capace di disegnare bene.

Vi sconsiglio comunque dal tentare di imitare gli artisti di successo per fare esperienza. Il più delle volte questo comportamento porta a risultati scoraggianti. La ragione è che vi trovereste continuamente a dover confrontare i vostri necessariamente modesti risultati con modelli tanto alti da sembrare irraggiungibili. In questo modo inoltre non potreste cercare il vostro specifico modo di guardare e finireste per sviluppare un complesso di inferiorità verso il vostro modello, finendo per non riuscire mai ad essere qualcosa di più che un mero imitatore.

Ricordate: gli artisti non sono quasi mai gelosi riguardo ai propri trucchi del mestiere e volentieri ne diffondono la conoscenza. Spesso ho sentito dire dai miei allievi: “Se solo potessi osservare quel certo autore mentre lavora, sono sicuro che potrei raggiungerlo!”, questo modo di andare avanti purtroppo non produce i risultati sperati. C’è un equivoco da chiarire: il solo mistero, se si può parlare di mistero in questi casi, è la personale interpretazione della realtà dettata dalla particolare sensibilità di quel certo artista. Egli stesso non conosce probabilmente non ha alcuna coscenza di possedere questo “segreto”. Ve ne dovete fare una ragione.

Prima di decidere a quale tipo di disegno volete dedicarvi, è bene che ragioniate bene su quale sia il vostro campo di esperienze. Se per caso siete venuti su in una fattoria, è più facile che sappiate raccontare con efficacia la vita in campagna piuttosto che avvenimenti sociali a Long Island.

Non sottovalutate l’intima conoscenza che avete acquisito nella esperienza quotidiana della storia della vostra vita. Ciascuno di noi tende a svalutare e a considerare banale la propria esperienza di vita ma questo è un grave errore. La mancanza di un retroterra di esperienze rende sterile il materiale artistico prodotto. Un artista cresciuto in povertà può raggiungere livelli estetici molto più alti quando affronta temi legati ai bassifondi rispetto a un altro di migliore educazione ma dallo stile più ornato e lussuoso. E’ un dato di fatto, egli è in grado di sapere molto di più riguardo alla vita e la sua arte è probabile che abbia un maggiore appeal.

Attualmente si è sviluppato un grande interesse per le “Scene di vita americana”.  La semplice dignitosa povertà ne è la chiave. Molti dei nostri lavori per la pubblicità e per le illustrazioni, comunque fanno riferimento alla vita sofisticata e lussuosa, ma è saggio tenere a mente questa nuova tendenza, per la quale un umile origine non è certo un handicap.

È vero che molti artisti dovrebbero essere preparati a maneggiare a richiesta qualsiasi tipo di argomento. Ma gradualmente ciascuno si indirizza a raccontare ciò che conosce e quindi gli riesce meglio. Se non volete finire ad essere in qualche modo “catalogati” e costretti a ripetervi in un soo genere di rappresentazione, dovrete lavorare duramente per ampliare il vostro campo di applicazione. Ciò significa che dovrete ampliare il campo di apprendimento dei principi del disegno (tutte le cose hanno proporzioni, tridimensionalità, trame, colori, chiaro scuro) in modo da non trovarvi impreparati di fronte a qualsiasi commissione, che si tratti di una natura morta o di un paesaggio, un animale o un particolare tipo di tessuto, come ad esempio il satin o qualche particolare tipo di legno lucidato. Se imparate ad osservare qualsiasi esigenza potrà essere soddisfatta senza troppi problemi, in fondo la rappresentazione di qualsiasi forma è basata sulla visualizzazione di come la luce agisce su di essa in termini di tono e colore. Inoltre sapendo come osservare, è sempre possibile fare ricerche e studi su quei soggetti che dovessero risultare poco familiari.  la maggioranza degli artisti passano tanto tempo nella raccolta di dati quanto ne spendono disegnando o dipingendo.

Le basi fondamentali del disegno e della pittura sono le stesse. Forse si potrebbe dire che il disegno in generale non cerca di rendere le sottigliezze di valori tonali, di contorno e i piani o la modellazione che può essere ottenuta nella pittura. Qualsiasi medium comunque pone l’artista di fronte agli stessi problemi: deve prendere in considerazione l’orizzonte e il punto di vista; deve avere il controllo delle proporzioni tra lunghezza larghezza e spessore (nella misura in cui egli è in grado di renderlo sulla superficie piana del disegno o della illustrazione); egli dovrà considerare, in breve, gli elementi di cui sto parlando in questo libro.

tratto da “Figure drawing for all it’s worth” di A. Loomis

(continua)

Consultate la lista dei corsi di disegno dal vero, dei seminari e dei laboratori che Circolo d’Arti organizza durante tutto l’anno, troverete sicuramente una offerta interessante che soddisferà la vostra esigenza di imparare a fare arte.

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Per la scienza ufficiale, l’idea di usare l’arte come terapia è relativamente recente, specie se si escludono le fertili anticipazioni di Goethe e quelle successive di R. Steiner.

Bisogna aspettare i primi del Novecento perché questo tipo di cura venga introdotta nelle strutture psichiatriche, negli ospedali e nei centri terapeutici, all’inizio come ristema più che altro ricreativo.

Solo ultimamente si avanzano ipotesi di terapie vere e proprie basate sull’uso dell’arte. sono recenti le applicazioni di questo approccio alla cura ed alla diagnosi.
“Il test dei colori di Luscher” ad esempio può dare indicazioni su molti aspetti fisiologici, e psicologici della persona. Questo test oramai viene usato come strumento terapeutico, ma anche nella selezione del personale o l’orientamento professionale.

Per tornare alle intuizioni originali di R. Steiner è possibile ottenere – ripercorrendo il filo delle sue opere e dei suoi scritti – utilissime indicazioni riguardo a come colore e disegno si possano usare per sviluppare il benessere e l’autorealizzazione dell’uomo.

E’ questo il motivo che mi ha spinto ad introdurre nel mio corso di disegno e pittura, una serie di esercizi che introducano praticamente questo fertile approccio artistico.

Se qualcuno vuole partecipare (anche in via virtuale) ad alcune tappe di questa esplorazione ha bisogno solo di qualche matita colorata (so che sarebbe più giusto usare acquerelli ma con le matite si può iniziare con maggiore semplicità), del disegno che potete scaricare da questo link [download#1] stampato su un cartoncino da 200 grammi circa (ma anche la normale carta da stampante puo andare) e della pazienza di seguire le prossime puntate di questa serie di articoli.
Il prossimo passo sarà costituito da una breve riflessione sui colori primari e sulla loro collocazione sulla ruota dei colori secondo Goethe.

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Per la sua abilità, per le sue capacità d’invenzione e di sentimento, l’artista cerca un compenso, materiale. Vuole soddisfare la sua ambizione e la sua avidità. A un lavoro comune e profondo subentra la lotta per arricchirsi. Ci si lamenta della troppa concorrenza e della sovrapproduzione.

Odio, faziosità, corporativismo, invidia, intrighi sono la conseguenza di quest’arte materialistica e inutile.Lo spettatore si allontana inesorabilmente dall’artista che, non avendo per scopo quest’arte senza scopo, coltiva altri ideali.
Comprendere significa capire il punto di vista dell’artista.
Si è detto che l’arte è figlia del suo tempo. Un’arte simile può solo riprodurre ciò che è già nettamente nell’aria.
L’arte che non ha avvenire, che è solo figlia del suo tempo ma non diventerà mai madre del futuro, è un’arte sterile.
Ha vita breve e muore moralmente nell’attimo in cui cambia l’atmosfera che l’ha prodotta. […]

Un grande triangolo acuto diviso in sezioni disuguali, che si restringono verso l’alto, rappresenta in modo schematico, ma preciso, la vita spirituale. In basso, le sezioni del triangolo diventano sempre più grandi ed estese. […] Al vertice sta qualche volta solo un uomo. Il suo sguardo è Sereno come la sua tristezza. E quelli che gli sono più vicini non lo capiscono. Irritati, lo definiscono un truffatore o un pazzo.
Così disprezzarono Beethoven, che visse da solo, al vertice.
[…] l’arte non è l’inutile creazione di cose che svaniscono nel vuoto, ma è una forza che ha un fine, e deve servire allo sviluppo e all’affinamento dell’anima, al movimento del triangolo.

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