L’arte è magia liberata dalla menzogna di essere verità.
Theodor Adorno, Minima moralia, 1951

Il compito attuale dell’arte è di introdurre caos nell’ordine.
Theodor Adorno, Minima moralia, 1951

Chi dice arte dice menzogna.
Honoré de Balzac, La pelle di zigrino, 1831

Uno dei compiti principali dell’arte è sempre stato quello di creare esigenze che al momento non è in grado di soddisfare.
Walter Benjamin, L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica, 1936

Chi dice che l’arte non deve propagandare dottrine si riferisce di solito a dottrine contrarie alle sue.
Jorge Luis Borges

Se il mondo fosse chiaro, l’arte non esisterebbe.
Albert Camus, Il mito di Sisifo, 1942

Alla domanda: − Che cos’è l’arte? − Si potrebbe rispondere celiando (ma non sarebbe una celia sciocca): che l’arte è ciò che tutti sanno che cosa sia.
Benedetto Croce, Breviario di estetica, 1912

Un’aspirazione chiusa nel giro di una rappresentazione, ecco l’arte.
Benedetto Croce, Breviario di estetica, 1912

L’arte non imita, interpreta.
Carlo Dossi, Note azzurre, 1870/1907 (postumo 1912/64)

Ama l’arte; fra tutte le menzogne è ancora quella che mente di meno.
Gustave Flaubert

Farci sentire piccoli nel modo giusto è una funzione dell’arte; gli uomini possono farci sentire piccoli solo nel modo sbagliato.
Edward Morgan Forster, Two Cheers for Democracy, 1951

In arte soltanto l’ottimo è buono abbastanza.
Johann Wolfgang Goethe, Viaggio in Italia, 1817

Non c’è via più sicura per evadere dal mondo, che l’arte; ma non c’è legame più sicuro con esso che l’arte.
Johann Wolfgang Goethe, Massime e riflessioni, 1833 (postumo)

Arte è ciò che il mondo diventerà, non ciò che il mondo è.
Karl Kraus, Pro domo et mundo, 1912

L’arte non è uno specchio per riflettere il mondo, ma un martello per forgiarlo.
Vladimir Majakovskij, su The guardian, 1974

Alla domanda: “Che cosa è l’arte?” siamo portati a rispondere: “Ciò attraverso cui le forme diventano stile”.
André Malraux, Le voci del silenzio, 1951

L’arte è un antidestino.
André Malraux, Le voci del silenzio, 1951

L’arte non insegna niente, tranne il senso della vita.
Henry Miller, The Wisdom of the Heart, 1941

L’arte è la menzogna che ci permette di conoscere la verità.
Pablo Picasso

L’esperienza artistica è così incredibilmente prossima a quella sessuale, alle sue pene e ai suoi piaceri, che i due fenomeni non sono in realtà che forme diverse di una identica brama e beatitudine.
Rainer Maria Rilke, Lettere a un giovane poeta, 1903/08

Adesso posso dire che l’arte è una sciocchezza.
Arthur Rimbaud, Una stagione all’inferno, 1873

Si può dire dell’arte quel che il cinico Antistene diceva del concetto: “è ciò che esprime l’essenza durevole delle cose”.
Ardengo Soffici, Giornale di bordo, 1915

Arte. Un modo per entrare in contatto con la propria follia.
Susan Sontag, Diario, 1958/67

L’interpretazione è la vendetta dell’intelligenza sull’arte.
Susan Sontag, Contro l’interpretazione, 1966

In arte l’unica regola è che non ci sono regole. Ma anche questa è spesso trasgredita.
Giovanni Soriano, Maldetti. Pensieri in soluzione acida, 2007

L’arte è il luogo della perfetta libertà.
André Suarès, Poète tragique, 1921

Ci sono due modi di non amare l’arte. Uno è di non amarla. L’altro di amarla razionalmente.
Oscar Wilde, Il critico come artista, 1889

Non v’è Arte là dove non v’è stile.
Oscar Wilde, Il critico come artista, 1889

L’arte non deve mai tentare di farsi popolare. Il pubblico deve cercare di diventare artistico.
Oscar Wilde, L’anima dell’uomo sotto il socialismo, 1891

L’arte rispecchia lo spettatore, non la vita.
Oscar Wilde, Il ritratto di Dorian Gray, 1891

Rivelare l’arte e nascondere l’artista è il fine dell’arte.
Oscar Wilde, Il ritratto di Dorian Gray, 1891

Tutta l’arte è completamente inutile.
Oscar Wilde, Il ritratto di Dorian Gray, 1891

In arte è difficile dire qualcosa che sia altrettanto buono del non dire niente.
Ludwig Wittgenstein

Questo testo è tratto dal sito: http://www.aforismario.it/aforismi-arte.htm

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Traduco questo brano da un articolo di Brenda Hodinott, dal sito Drawspace. com, il sito ha appena comunicato che i suoi articoli sono utilizzabili liberamente secondo la licenza Creative Commons.

I valori tonali e il chiaroscuro costituiscono uno strumento fantastico per il disegno dal vero, permettono di raccontare cio che fa la luce alla superfice dele cose nel mondo, Questo tipo di indagine è iniziata per gli artisti figurativi nel quattrocento e non è ancora finita. Quindi è molto importante approfondire lo studio dello strumento principe per descrivere le variazioni della luce: il chiaroscuro.

1. Prima di iniziare l’ombreggiatura di un disegno con il tratteggio, controllate che il disegno di tutti gli elementi, spazi e la rappresentazione prospettica siano disegnati in modo corretto. Controllate le relazioni degli elementi tra di loro, osservare se gli angoli, le dimensioni relative degli elementi della composizione, le proporzioni siano stati  resi in modo accurato e fare le opportune correzioni se è necessario.
2. Molti artisti amano procedere passando dal chiaro allo scuro, rendendo le zone luminose in primo luogo. Questo è possibile procedendo con tratteggi molto leggeri sparsi per tutto il campo del disegno che lasciano scoperte le zone in piena luce, successivamente verranno tratteggiate zone dai valori tonali sempre più scuri, passando per le mezze tinte e per finire nelle ombre più scure.
   Questa maniera di procedere, come se si aggiungesse un livello dopo l’altro di passaggi tonali sempre più intensi che si stratificano l’uno sull’altro, crea una bella transizione graduale in cui viene più facile stabilire i valori più scuri aggiungendoli ai valori medi.
3. Guardare sfocato. Per individuare i diversi valori tonali di un oggetto provate a rendere sfocata la vostra visione generando un leggero strabismo (da bambini lo facevamo tutti, storcendo gli occhi ottenevamo una visione sfocata) oppure osservando il soggetto tra le ciglia socchiuse. Questi stratagemmi ci aiuteranno ad individuare una mappa visiva per individuare la forma di ogni sona di valore tonale omogeneo.
4. Quasi tutto quello che ci capita sotto lo sguardo mostra di possedere valori tonali. A seconda della fonte di luce che le illumina, la maggior parte delle cose mostra zone in cui le tonalità sono molto chiare ed altre in cui esse si fanno via via più scure. Quando si impara a diistinguere questi valori tonali diventa possibile rappresentare gli oggetti nella loro tridimensionalità.
5. Mentre si realizza una ombreggiatura con tratteggi sovrapposti graduali, è possibile sforzarsi di rendere il passaggio da un valore tonale al successivo appena percettibile tracciando le linee di tratteggio di lunghezza sempre diversa, alternando linee lunghe e linee brevi si crea un effetto che rende più morbidi i passaggli tra le gradazioni tonali del chiaroscuro.
6. Allontanatevi di tanto in tanto dal disegno facendo un passo indietro. per avere una visione globale delle variazioni dei valori tonali. L’osservazione complessiva potrebbe aiutare a capire quali aree del disegno richiedono interventi a schiarire e quali hanno bisogno di toni più scuri.
7. Prendetevi il tempo necessario al momento di elaborare le forme di un oggetto  (o essere vivente). Disegnare la forma generale delle ombre e poi mettete a punto le mezzetinte della zona luminosa e quelle della zona in ombra.
8. Catturare l’illusione di una realtà tridimensionale è più importante che raccontare le trame e/o le texture superficiali.
9. Fate prove su carta da buttare per sperimentare trame e tratteggi diversi in modo da controllare l’effetto prima di usarlo sul disegno definitivo.
10. Quando esiste troppo poco contrasto nei valori utilizzati in un disegno esso potrebbe apparire piatto anziché tridimensionale.
    A meno che non si desideri ottenere proprio questo effetto, usate sempre tutta la gamma tonale ottenibile con lo strumento che state usando.
11. Le texture di alcuni oggetti tridimensionali sono difficili da tradurre in un disegno a due dimensioni, per esempio la superficie di una conchiglia, o la venatura di un pezzo di legno. Provate a fotocopiare in bianco e nero le stampe della foto di un pezzo dell’oggetto, questo trucco evidenzia la trama superficiale del materiale che compone l’oggetto e noi possiamo guardarla e studiarla prima di iniziare a creare il chiarscuro del disegno.
12. Create un chiaroscuro usando il tratteggio incrociato, girate il foglio di carta in varie direzioni in modo da favorire il gesto naturale della propria mano. Puo aiutare anche orientare il braccio della mano  che tratteggia in direzioni diverse durante il lavoro. Qualunque strategia ci permetta di lavorare comodi e rilassati va bene.
13. Quando si disegna un animale o una persona, dividete visivamente in sezioni e misurate le proporzioni, individuate le parti in cui il corpo si divide, si piega, si torce o si estende e stira e valutate in che modo variano le relazioni tonali del chiaroscuro.
14. Il valore di un’ombra portata (lasciata da un’oggetto sulla superficie su cui è appogiato) è più scura vicina all’oggetto e va via via schiarendo mano a mano che ci si allontana da esso.

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Traduco questo articolo di Brenda Hodinott, dal sito Drawspace. com, dato che condivido in pieno tutto cio che essa dice.

Lavorare con le foto è una grande risorsa per chi disegna, permette di avere modelli ben fermi e di portare a casa immagini prese durante le nostre gite o le passeggiate.

Internet poi ci permette di accedere ad un serbatoio potenzialmente infinito di immagini da posti al di fuori dalla nostra portata.

1. Se non sei un fotografo esperto, usa le tue fotografie solo come strumenti di riferimento e disegna da oggetti reali, tutte le volte che è possibile.
2. Utilizzare una cornice mirino per aiutarti a capire quale sia il taglio migliore da scegliere prima di iniziare a disegnare. È possibile costruire una cornice mirino con carta pesante e due grandi fermagli.
3. Se si desidera vedere un volto in una foto con un angolo leggermente diverso, è possibile inclinare leggermente la foto e poi guardarla attraverso una cornice/mirino per nascondere gli angoli inclinati della foto.
4. Ogni volta che avete intenzione di fare un disegno da fotografie, procuratevi la massima quantità possibile di immagini del soggetto prese  da diverse angolazioni. È necessario avere familiarità con un soggetto da tutti i lati, prima di poterlo disegnare con precisione le sue forme.

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Un artista con una formazione classica che ha saputo seguire un’intuizione e trasformarla con dedizione ed impegno in nuove forme espressive. Del lavoro di Brian Dettmer mi colpisce non solo il pensiero creativo, ma anche la ricerca di soluzioni realizzative che hanno trasformato la sua intuizione in vere opere d’arte. Ammiro di questo artista la capacità di approfondire i temi da cui parte senza accontentarsi di facili soluzioni espressive, ma arrivando a un livello dove il pensiero creativo e la forma estetica si equilibrano, spingendo chi guarda a perdersi nelle profondità e nei meandri delle sue sculture, a cercare la trama ed il pensiero nascosto che vi si cela. I suoi libri scultura, tagliati e stratificati, incollati ed esposti, arrotolati ed accoppiati, acquistano tridimensionalità e rivelano il loro contenuto in nuove varietà di forme. Dettmer ha esplorato e trasformato altri mezzi di comunicazione. Tra le sue mani il nastro delle cassette audio, fuso e ricomposto, crea forme vitali, scheletri e teschi, le vecchie cartine stradali diventano mani o assumono aspetto tridimensionale.

Cenni Biografici:
-Brian Dettmer, nato nel 1974, fino al 2006 viveva nei dintorni di Chicago, dove ha conseguito una laurea in Belle Arti presso la Columbia College di Chicago nel 1997. Durante la scuola e dopo la laurea, Dettmer ha lavorato come artista e grafico designer in un’azienda di segnaletica. Nel 2006, Dettmersi  trasferì con la moglie ad Atlanta, dove vive e lavora come artista.

Visitate i numerosi siti che pubblicano le sue opere:

http://en.wikipedia.org/wiki/Brian_Dettmer
http://www.flickr.com/photos/briandettmer/
http://www.briandettmer.com/
http://www.packergallery.com/dettmer2/index.php
http://www.ktfineart.com/artists/brian_dettmer/
http://www.toomey-tourell.com/artists/brian-dettmer
http://www.mitobcn.com/brian/brian.html

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Si tratta di disegnare qualsiasi oggetto concentrando l’attenzione esclusivamente sulle linee dei suoi contorni esterni ed interni.

Ci sono due raccomandazioni da fare:

• la prima è di dimenticarsi il nome di ciò che si disegna, il nome del soggetto disturba il processo del disegno;
• la seconda è quella di percorrere con la matita lentamente (LENTAMENTE) i suoi contorni, non vi preoccupate di nulla, nemmeno della coerenza delle proporzioni, occupatevi solo di quella particolare linea e poi della linea che si diparte da essa e delle forme che le linee contornano. Niente chiaroscuri.

Non è necessario che le proporzioni vengano rispettate, vedrete che i disegni realizzati assumeranno una qualità  di segno notevole.

Di seguito inserisco alcune immagini realizzate durante le lezioni nella scuola di Circolo d’Arti.

Discuti di questo argomento sul nostro forum.

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• Guida per il disegno delle espressioni umane
• Disegnare il volto di tre quarti con il sistema di Andrew Loomis
• Il disegno a tratteggio

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Riporto la presentazione della mostra e rinnovo l’invito a una visita, almeno virtuale.

Layers

Davide Le Grazie (Torino, 1972) presenta per la prima volta alla Marena Rooms Gallery la sua ultima produzione pittorica, un corpus di una quindicina di opere riunite sotto l’emblematico titolo della mostra “Layers” (livelli). Dopo aver partecipato a mostre del calibro di “Nuovi Pittori della Realtà” presso il PAC di Milano ed essere stato finalista per ben due volte al Premio Arte Mondadori, l’artista torna con una personale in cui da una pittura dal colore ricco e dai contorni nitidi emergono volumi e forme di grande suggestione.

fonte: http://www.marenaroomsgallery.com/mostre.php

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• Le matite di Marco Mazzoni
• Paola Angelotti maestra di pittura
• le Arti di Piranesi

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Il disegno del volto umano è un percorso ad ostacoli per evitare gli errori di proporzione

Durante le mie lezioni di disegno, quando sono sicuro che le regole per rispettare le proporzioni dal vero e quelle per la gestione tramite il tratteggio del chiaro scuro, per far comprendere come orientarsi in un disegno così complesso utilizzo un piccolo trucco che trovo sempre efficace, se volete provate anche voi.

Spiegate alcune regole base che possono guidarci per ottenere le giuste proporzioni nel disegno del volto, chiedo ai miei allievi di disegnare di nuovo il modello sommario che ho disegnato sotto i loro occhi (prima o poi inserirò anche questo schema), poi propongo di andare a verificare ciò che abbiamo disegnato sul volto del David di Michelangelo, per cui presento l’immagine a fianco, cioè una foto  su cui appoggio un foglio di plastica trasparente per tracciare una serie di linee che scandiscono proporzioni o che possono aiutare a individuare le le forme e le masse caratteristiche di quel particolare volto. In questo modo è possibile comprendere come ciascun volto si discost dal modello ideale standardizzato.

Dopo aver compreso quali linee possono essere usate, tolgo l’immagine e faccio copiare il disegno delle linee, successivamente propongo la foto del profilo da disegnare, i risultati sono sempre ottimi, in seguito mi propongo di costruire una galleria dei risultati ottenuti dai miei allievi (qui o su www.circolodarti.com)

Consultate la lista dei corsi di disegno dal vero, dei seminari e dei laboratori che Circolo d’Arti organizza durante tutto l’anno, troverete sicuramente una offerta interessante che soddisferà la vostra esigenza di imparare a fare arte.

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• Statue per esercizi di disegno del volto
• Modelli per disegnare il corpo umano
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Bite – chi copia lo stile di un altro writer. In genere guardato dall’alto in  basso dagli altri writers.
B-boyz & Fly girls gergo  – sono rispettivamente appellativi per ragazzi e ragazze
Bombz – bombolette di vernice spray
Buff – Eventuali mezzi utilizzati dalle autorità per rimuovere i graffiti dai treni.
Burn (bruciare) – battere la concorrenza con il tuo stile. Si riferisce anche a un pezzo davvero bello, che “brucia”.
Crew – Un gruppo di writers organizzato liberamente.Hanno la loro tag, in genere composta dalle iniziali dei loro nomi e dal nome del gruppo.
Flop – graffito veloce  solitamente non colorato o monocolore realizzato illegalmente
Going over – un writer che copre la tag di un altro writer con  la propria.
Hall of Fame – punto di riunione per la crew, in genere posti isolati o legali, nei quali è possibile realizzare graffiti complessi
HIP HOP – La cultura della breakdance e dell’hip-hop che ha generato la cultura dei graffiti come la conosciamo oggi, evoluta in rap moderno.
Insides (interni) – i graffiti disegnati all’interno dei treni della metropolitana. Ora si riferisce all’interno di qualsiasi veicolo di transito.
Marker – pennarello per fare una tag veloce
Romanzo – graffito colorato e complesso in genere realizzato in posti legali poiché richiede molto tempo
Tag – Firma del writer, composta da lettere o segni che ne definiscono l’identità.
Toy – writer alle prime armi che in genere sporca le città
Yard – deposito di treni o metro dove si va a dipingere
Questi sono solo alcuni termini.  Aiutami ad aggiornarlo o correggerlo.

Come molti degli esercizi che uso all’inizio si tratta di un esercizio molto efficace per richiamare le funzioni spaziali del cervello, che sono quelle che permettono di disegnare efficacemente. Il motivo dell’efficacia di questo esercizio è legato al fatto che ci si trova a copiare una forma assolutamente astratta che non assomiglia ad alcunché non permette il richiamo di alcuna immagine stereotipata presente nelle memorie simboliche dell’emisfero sinistro del nostro cervello il quale risulta così inibito.  Inoltre è un ottimo esercizio per migliorare il coordinamento tra occhio e mano.

Tutto quello che serve per l’esercizio, oltre a una matita B o HB ed a qualche foglio di carta bianca, consiste in un pezzo di filo di ferro discretamente lungo (cinquanta centimetri vanno più che bene), se il filo è grosso si può usare una pinza per ottenere una forma abbastanza aggrovigliata, volendo è possibile spiegazzare uno di quegli appendiabiti di filo di ferro per ottenere lo stesso risultato.

Una volta piegato e ripiegato il nostro filo di ferro ci troveremo di fronte ad una forma tridimensionale casuale.

Iniziate a disegnare seguendo il percorso del filo di ferro senza preoccuparvi che il nostro tracciato renda un aspetto realistico, cercate di vedere il vostro modello come una “linea nello spazio”.

L’aspetto di questo disegno potrà essere completamente piatto (se userete un tratto di matita costante), potreste ache scegliere di appesantire più o meno la pressione della matita in modo da creare un senso di profondità dando un segno più o meno forte a seconda che il filo si avvicini o allontani da voi. Non preoccupatevi delle ombre o dei riflessi luminosi, tutto quello che vi deve interessare è il segno che rappresenta il percorso del filo.

Per ottenere il miglior risultato cercate di tracciare la vostra linea nel modo più continuo e rilassato possibile. Evitate di usare tratti corti e incerti. Una linea e fluente, anche se non esattamente corrispondente al modello,  come risultato del disegno è preferibile a un tracciato magari più aderente nelle forme ma tracciato con linee “a tentativo” corte e ripassate più volte.

Potete rifare sulla stessa pagina l’esercizio più e più volte, vi basta cambiare posizione e orientamento al modello, ricordate sempre che quello che state facendo è un esercizio, non ha alcuna importanza che aspetto avranno le prove che avrete tracciato. Prendetevi tutto il tempo che vi serve e osservate sereni e distaccati quello che state facendo: state insegnando alla vostra mente ed alla vostra mano a lavorare insieme.

“Se ho incluso la visibilità nel mio elenco di valori da salvare è per avvertire del pericolo che stiamo correndo di perdere una facoltà umana fondamentale: il potere di mettere a fuoco visioni a occhi chiusi, di far scaturire visioni e forme dall’allineamento di caratteri alfabetici neri su una pagina bianca, di pensare per immagini. Penso a una possibile pedagogia dell’immaginazione che abitui a controllare la propria visione interiore senza soffocarla e senza d’altra parte lasciarla cadere in un confuso, labile fantasticare, ma permettendo che le immagini si cristallizzino in una forma ben definita, memorabile, autosufficiente, ‘icastica’.”

Italo Calvino,

Lezioni americane, 1988

Quando hai la fortuna che ti capiti di leggere parole del genere, cosi precise, non puoi che aderire totalmente al loro senso, vorresti averle scritte tu. Non è possibile non citarle e diffonderle, con infinito rispetto.

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